爆裂鼓手

不喜欢这个片子的理由有很多，根本的一条是：爵士乐如果被当作艺术的话，那么这个片子里，对于爵士乐天才的理解是肤浅的。

甚至对爵士乐的理解也是教条的，竞技体育中的天才论取代了艺术广阔而灵活的审美。

由于这个理解是片中人物心魔及纠结的根本，也是整个故事核心的底层，所以......在结尾，少年的行为有那么点意思，但我个人以为，离“觉悟”还差点意思，所以片中人物塑造的纠结扭曲，没能成就整个片子的完整性。

结尾真太糟糕了。

如果音乐不能够带来欢愉和激情，不能够充分展示自由和不羁，而是像为了练神功而吃毒药，那音乐教育培养的就不是人才，而是药人。

我个人理解中的天才，不是快，不是慢，甚至也不是准，而是打破规则和创造，是对生命和生活态度的超凡理解。

我不反对技术，但我更认同创造技术。

有过一个自认为不疯魔不成活的鼓手朋友，在鼓房练到要去看心理医生的地步，他给我的印象是，对别人给予他鼓技的评价，战战兢兢，极度敏感；对大师们三跪九叩，对成功极度渴望；他太累了，简直像书房里作茧自缚的老先生，终日念叨“境界”“灵感”等纸面上的词，而脸上毫无生命迹象。

我很想和他说，别他妈去爬山了，你已经在山上，停下来看一看吧。

《爆裂鼓手》被提名奥斯卡是情理之中的事。

但这部电影在奥斯卡众多主旋律入围片中，显得有些另类，它还不同于那部首先因为拍摄形式的个性而被人称道的《鸟人》，《爆裂鼓手》是从骨子里就透露着一股与众不同的气息。

这或许源于它的独立电影血统。

在此之前，《爆裂鼓手》已经获得了北美最大的独立电影节圣丹斯电影节的最佳影片。

其实，《爆裂鼓手》讲述的是一个太常见的故事，一个热爱打鼓的少年安德鲁进入了一所音乐名校，被著名魔鬼导师弗莱彻相中，将其引入自己的爵士乐团，开始了一段摧残式的训练。

如果只拍摄这个艰苦卓绝的训练过程，那么这部电影将毫无悬念地失败。

而年轻导演达米安•沙泽勒把这个过程内化为了一次心灵对抗的旅程。

少年学生安德鲁和魔鬼导师弗莱彻之间有一种近似SM的关系——当然，与性无关——一个为了鼓技甘愿身心极度透支的学生和一个满口脏话、为人刻薄但技艺优异的伯乐，他们二人之间形成了一种表面上互虐但心中却互相尊重、赏识的怪异情绪。

《爆裂鼓手》的前半部分充分演绎了什么叫做“不疯魔不成活”，而后半部分，影片开始急转直下进入了对人性深处的挖掘。

因为一次意外，安德鲁的表演失败了，和导师吵翻，但弗莱彻一贯的刻薄和恃才傲物也树敌太多，安德鲁在旁人的鼓励下匿名举报了这位曾经把自己带入天堂又打进地狱的老师，称其教学过于极端，导致很多学生的精神问题。

影片的叙事节奏从此由紧绷开始变得放松。

安德鲁成为了一个普通的打工青年，安稳无聊地过日子。

其实，在这一段故事中，导演回应着之前的一个伏笔，也回应着一个深植的主题。

安德鲁出身于普通家庭，家人与音乐毫无渊源，所有亲人对他的音乐梦不是嘲讽就是无视，他们更乐于谈论其他孩子的橄榄球赛也不屑于过问安德鲁的音乐野心。

某种程度上说，安德鲁在练鼓时的全情投入是以一个人对抗全世界，用一种不知道结果的对梦想的无限接近去对抗庸常。

这是《爆裂鼓手》前半段的主题。

用一种极端的，带有自我摧残意味的努力去表现梦想。

当然，也这引起了影评界对于这部电影的诟病，有评论认为导演将艺术拍成了竞技体育。

但不可否认，梦想本身就潜藏着癫狂的特质，更何况，很快，导演就摧毁了这种一直昂扬的情绪，给人们展露了残酷——庸常胜利了。

但这并不是结束，电影的优秀之处在于，它继续向下挖掘，用几个另外的反转抵达了人心深处不可琢磨的微妙地带。

在一个小酒吧，安德鲁偶遇前来演出的、已经被大学解聘的导师弗莱彻，后者邀请他入伙参加一个演出。

这是一个冰释前嫌的设定。

人们本以为会迎来阳光的走向，但这却成为对人性的又一次探底实验。

表演现场，满心欢喜的安德鲁发现，导师骗了自己，乐队要演奏的根本就是另外的曲目，只有他自己在舞台上不知所措。

弗莱彻走过来轻声对他说，“我知道是你干的。

”原来，这只是对他当年举报自己的一场报复。

梦想的光芒，现实的残酷，人心的冷暖以及人性的险恶，坚持、付出与回报，这一切都在《爆裂鼓手》中被微妙地呈现。

最终，安德鲁没有屈服，他在舞台上展示了自己曾经拼命练习的一段鼓技，让导师也为之动容。

这才是真正的和解，他们用一种对抗的姿势完成了一次看不见的拥抱。

《爆裂鼓手》更为伟大的层面在于对于成功的解释，它绝不是那种以功成名就论英雄的价值观，电影中的鼓手从未将自己的未来捆绑于具体的金钱和名声，而始终是对于这项事情本身的热爱。

这是对于梦想最好的阐释。

中国之所以无法拍出这样的有关音乐梦的电影，就是因为虽然有几千万琴童，但基本上，他们全都是由于父母追求名利的目的而被逼无奈的选择。

那种没有梦想光芒照耀的残酷练习注定只是苦行。

扮演导师的J•K•西蒙斯和扮演学生的迈尔斯•特勒都不算有名。

但他们这一次的表现确实出众。

颜值并不太高的小鲜肉迈尔斯•特勒经过之前那部《好景当前》和这一次的演技飞升，正在迈向他的星途，而演了一辈子的老戏骨J•K•西蒙斯或许真的能获得奥斯卡的垂青。

（by 杨时旸）

作为今年圣丹斯的获奖影片和奥斯卡热门，影片的上佳口碑主要来自于紧凑的剪辑、优质的表演和对于师徒关系非常规的刻画。

诚然，影片的剪辑凌厉而准确，除结尾处有少许松懈，整部电影更像是一部动作悬疑片，节奏一再加快，冲突一再升级，影片结束，107分钟不知不觉中过去。

影片对于音乐的处理也相当不马虎，体现了对于细节的重视和专业精神。

然而，如果将电影解读为描绘师徒关系，以及少年经历魔鬼训练，超越极限，从而实现自我的励志电影，大概是个误会。

片中鼓手和指挥从始至终是纯粹的互相利用关系。

鼓手其实从未得到特殊待遇——他始终是乐队中和其他乐手一样微不足道的一员，随时被指挥予取予求，玩弄于鼓掌之间。

在鼓手坦陈指挥对于乐队的虐待，间接导致指挥离职之后，酒吧相遇，看似一番肺腑之言，实际上指挥已暗暗设计陷害，如若没有鼓手最后的破釜沉舟，一个乐手的生涯就要万劫不复（影片一再强调在卡内基演出对于音乐生涯的决定性作用）。

即使仇人之间，若有一丁点原则和不忍，做事尚不会如此残忍，何况师徒。

鼓手本身也并非传统的善良天才少年。

一定的才华和逼迫自己到极限的决心也许天才少年皆有，但是本片主角个性中的偏执和阴暗才是他一直被指挥吸引，也是指挥最后透露出欣赏的主因——鼓手一定程度是年轻版本的指挥，同样为达目的不择手段。

影片中有诸多巧合，其中鼓手丢失首席鼓手让他代为保管的乐谱一节，其实颇值得思量。

鼓手是否真的如观众期待那样无辜？

未必。

台词给出许多暗示：首席为自己辩解时说自己因身体有恙不能记谱，指挥早就知晓（那么其他乐手自然也知道）。

鼓手在事发之后毫无愧疚，也从未想过补偿。

键盘手似开玩笑让鼓手不要动自己的谱子，未必不是防人之心，等等。

鼓手在争夺首席位置、与女友分手和佯作无辜答应指挥帮助演出时也同样毫无愧怍。

因为同样认同追求卓越就要牺牲自我、他人，以至阻碍道路的一切，鼓手才会被指挥一番话吸引从而上钩，因为指挥的人生哲学实际道出了鼓手的心声。

整部影片细述了鼓手从安德鲁到弗莱彻的渐变，最后一幕父亲在后台观看鼓手的独奏，眼神中惊恐多于欣慰，因为眼前的少年早已不是曾经一起吃爆米花开玩笑的儿子，技术上的提升和人性的嬗变相比已经显得次要。

本片导演说结尾实际是悲剧，主要媒体的影评也多少在这一点达到共识，大概正是为此。

片中固然有励志的成分，但是成功的代价是少年纯真的丧失，如果本来尚有纯真的话。

结尾高潮处影院中的观众畅然拊掌，其实是庆祝这种扭曲哲学的胜利——鼓手大概经此洗礼，从此更加坚定目标，不顾旁人，不择手段，从而一帆风顺。

更可怕的是，等他自己成为别人的老师，恐怕也要把这样的哲学传递下去了。

相对于严师是否定出高徒、学艺之路如何逼迫自我突破极限这类常规主题，影片提出的问题更集中于追求极致（无论目标是艺术的完美还是名利的丰收，也无论是否关于音乐）和葆有灵魂的平衡取舍。

(评论中对这一点讨论较多，这里介绍导演在一次访谈中对影片的解读：http://www.rogerebert.com/interviews/rise-of-a-star-death-of-a-soul-damien-chazelle-on-whiplash在写这篇影评时没有注意到这个访谈，但感觉对于人生得失、成功代价等浮士德式命题，影片还是明显传达出了想要触及的意图。

其中他谈到影片和《黑天鹅》、《摔角手》等影片的类比，谈到影片结尾鼓手肉体虽然完整，灵魂已然残缺。

他对于观众认为影片结尾是胜利略感讶异："Sometimes I get worried that—no, worried is the wrong word, because if people enjoy the ending, then that’s great. But I had always thought, when writing the film, that the ending had always veered a little more on tragic than triumphant. In terms of a lot of responses to the movie, at least from what I’ve seen, the ending seems to be interpreted as a little more triumphant than tragic. Again, that’s not something that I’m upset about. If anything, it makes the movie more enjoyable for people, but it has been a really interesting thing to observe. I had always intended it to be a pretty dark ending.")影片提出了命题而没有给出态度和答案（除去结尾处为烘托气氛对二人稍作美化之外），这样的处理无可厚非。

然而若非要苛求这样一部口碑之作的话，影片对于所谓“师徒关系“的探讨略失狭隘。

除去片中所有冲突集中在两位主演身上，导致其他角色过于扁平以外，片中冲突和台词都过于激烈和刻意，仿佛非此不能体现师徒之间相爱相杀的复杂情愫，非极端手段不能表现极致。

实际任何有过良师，或是毕其心力追求一门学问技术的人，大概都能体会，即使最平淡温和的交往，也能有惊心动魄、触及灵魂的时刻。

谁说期待、失望、奋起、收获和骄傲只有在顶级的音乐学习中才能获得。

在思想交流，思维相逐之时，师徒之间体验的是一种深层次的信赖和交融，难怪一些西方学者将之比喻为爱欲，因为彼此的暴露，接受和进入。

但是世事如此者又何必只有爱欲可以概括，这种比喻未免有失偏颇。

而音乐之所以经常作为表现题材，是由于在音乐中，上乘的交流通过音调、音色和节奏的和谐而具体的表现出来，带给人精神上的愉悦。

仔细聆听影片中的音乐，尤其是鼓手加入指挥的乐团后，其表演趋于精准，也同时承载了更多痛苦、暴力。

顶级的表演固然要求极高的技术水准，也应带来更多超越世俗层面的喜悦和哲思，在这一点上影片有夸大暴力的倾向，而正是这种认为只有极端的情节和表演才能表现思想上的震撼的思维方式，造成影片情节过满，缺少留白回味，思想上缺乏深度和格局，无法迈入值得长久品味的佳片行列。

———————————————————————————————最后补充一点影片题外的话。

关于人生道路的选择和指导技艺提升的方式，影片本身提供了一种别样视角，挑战了传统的价值观，有让人耳目一新之感。

高度戏剧化的情节也与影片风格统一。

但是我想影片并无意传达“倾轧他人、压榨自我为成功唯一途径”的观念，至少对此命题的态度是开放的。

由于职业音乐家的生活和观众距离较远，容易使人产生关于这个命题的误解。

影片中二人的成功模式在实际中是极为罕见的。

纽约客的一篇影评(http://www.newyorker.com/culture/richard-brody/whiplash-getting-jazz-right-movies)批评影片“彻底误解爵士乐”，忽略爵士自由的音乐灵魂而过分强调滥用权力和恶性竞争。

评论中指出影片歪曲Jo Jones向Charlie Parker扔钹的事例为其服务：Jones其实并未扔向Parker，只是扔在地上以作提示。

而Parker也并非受到刺激回家一人苦练，而是开始系统的音乐学习，博采众长，同时参与乐队演出积累经验。

我并非爵士乐迷，但我所知古典音乐家的求艺道路也和片中迥异，尤其是到了男主角这个阶段（技术接近成型，职业道路渐渐明朗），学习侧重在技术细微之处的提升，以及演奏音乐性的把握，以实现优秀到杰出的飞跃。

每天长时间的练习绝非和自己“死磕”练到伤害身体（事实上职业音乐家和运动员一样有系统的方法应对伤病），而是极为系统的处理每一不足，重复正确的演奏方式而非试错。

影片中指挥这样的指导方式更是罕见。

对技术的永不满足和人身攻击乃至伤害有天壤之别，而欲将学生生涯扼杀在卡内基音乐厅的舞台上更是骇人听闻。

音乐家中确有严师，比如大提琴家Janos Starker。

他的学生曾编了笑话以示其严厉，说几个大提琴手去见上帝，上帝问他们师从何人，说罗斯特波维奇等大提琴家的皆被遣入地狱，直到有人说Starker，上帝说，好了，你去天堂吧，因为你已经知道地狱什么样了。

但是Starker严厉到什么程度呢？

他的学生回忆最难堪一次是自己拉得略有跑调，老师轻吐一口手中香烟幽幽说：“你再跑成这样就别说是我教的了”，而已。

然而这样的方式建立在彼此信任和尊重上，未必比片中指挥法西斯式虐待给学生带来的震颤和激励要小。

何况音乐成就最无法注水——演奏直接反映才华高低，天才和常人的差距一听便知，实在没有必要勉强。

———————————————————————————————如果你觉得这篇影评有点意思也许也会对这篇有兴趣：比利·林恩的中场战事https://movie.douban.com/review/8183417/

这简直就是一个标准的中国博导挑选弱势学生训练成好牛马的故事，其中的血与泪在社会新闻上已经多的数不胜数了，然而竟然有人觉得这个故事非常励志也是令我非常震惊电影开始有几个非常值得玩味地细节，简直做到了和现实里发生的情况一一对应：1. Fletcher观察了Andrew很久，他着重发现了三个事情：i.这个男生很孤僻；ii.这个男生价值观非常单一；iii. 这个男生没有什么攻击性。

有了前两点，可以保证Andrew能被教育成为一个及格线以上的牛马，因为你孤僻没有朋友且价值观单一，所以恶导在办公室里私下说的每一句话学生都会奉若珍宝，通过三言两语就能控制你，你简直就是为恶导打造的天生牛马圣体。

而第三点可以保证恶导在做的非常过分的情况下，也不会被化身献忠的学生斩于马下。

回到现实中来，大家想想这些社会新闻上跑到偏僻的角落自行了断的博士生是不是通常都具备我说的这三个性格特点？

2.Fletcher询问了Andrew的家庭情况。

在正式开始控制你成为牛马之前，还有一件事情要干就是确保他完全控制你的精神以后，他家里不会有人找上门来。

如果Andrew的爸妈是有名的音乐家，被Fletcher骂了以后告诉了他爸妈，那Fletcher的职业生涯在脏话出口的那一瞬间也就结束了；如果再夸张一点，Andrew爸妈是纽约Mafia的头目，那Fletcher摔完凳子的那一晚他可能就身首异处了。

而Andrew在Fletcher询问的时候立刻全盘托出自己妈妈早亡，爸爸是一个高中的写作老师的家庭情况，亲自解开了自己最后的一层防护罩。

各位想想这些社会新闻上跑到偏僻的角落自行了断的博士生都还有一个什么特点？

那就是家庭情况一般不是很好。

价值观单一，又性格内向孤僻，家里再没有人撑腰，那真是出了一点点小事就有可能被击垮。

如果被选中的学生的爸爸妈妈是个实权正处级别的，孩子出了点事情，闹到学校来，一般的恶导连一点反抗的能力都没有。

在有了以上几个客观条件的支撑以后，Fletcher就顺利开始了自己的精神控制之路，而我们的小主角作为一个性格孤僻价值观单一没有攻击性家里也没有人撑腰的小博士，就这么被恶导一步步push到了精神崩溃的边缘。

而最后被Fletcher摆了一道以后准备下台又折返回来爆发小宇宙这种桥段更像是牛马在宿舍自我了断之前吃最后一顿拼好饭吃出幻觉了。

所以我就特别不明白明明是一个简直堪称得上是从负面社会新闻中凝炼出来的故事，在有些人眼里怎么就成了励志片了？

牢钟自我PUA还真是有一套啊。

时隔多年的update:How to truly listen | Evelyn Glennie---原文分界线 一开始我还带着不屑，因为影片呈现出的爵士乐团跟我所经历的完全不一样。

侮辱性的语言和暴君式的指挥，活脱脱把爵士乐团变成了血汗工厂。

作为学古典音乐出生的音乐生，我一直很向往爵士乐团的自由欢乐，羡慕爵士乐手才华横溢的即兴演奏能力。

这样颐指气使的指挥出现在交响乐团里反而不会让我觉得奇怪。

但是能够如此霸气地人身攻击+满嘴粗话的指挥我还真没见过，因为所有的指挥101入门课都会教你”How to be a good conductor?” 而在这个问题下面列出的1-100条答案里绝对不会出现“insult the percussionist's jewish mother”这一条。

直到我听到了这句台词： - “Dying broke and drunk and full of heroin at the age of 34 is not exactly my idea of success.” - “I'd rather die drunk, broke at 34 and have people at a dinner table talk about me than live to be rich and sober at 90 and nobody remembered who I was.” 我开始被这种追求极限追求完美的情绪被点燃，看到了几年前的自己以及内心偏执的那一面。

看到他滴下的血就像看到我手指上厚厚的茧，只恨它们没有更厚，厚到可以让我成为“one of the greatest”。

看到他忍住心里的痛苦面无表情地跟女友分手，而女友含着泪确认”你觉得我会阻碍你的成功么？

“我激动地想替男主回答“yes！

yes！

yes！

”因为在我们的生活中，每天大部分时间都花在练琴，学习，思考，甚至创作上，而这些都需要独自一人完成，像修行与打坐一样。

我在男主身上看到了我身边人的影子，因为没有办法达到自己最完美的状态而抑郁，焦躁，性情大变。

“Not quite my tempo!! Faster! Faster!!!”然而无论是Andrew还是Fletcher，都像台机器一样。

没有情感和乐感的机器。

音乐不是一场男子100米决赛，音乐的好坏更不是依据快慢来断定的。

你可以带着感情去跑，你也可以想着“待会儿我要吃什么”去跑，你也可以放空去跑，最后看的反正都是秒表上的数字。

严格遵从谱子上标注的四分音符=208，不代表你能演奏出最动人的音乐。

演奏家就像魔术师一样，能在此时此刻的现实世界里创造出的另一个平行空间。

钢琴家可以无视黑暗中的上万只双眼而沉浸在一束黄光之下，单枪匹马如入无人之境。

此时的他可能身处1830年的波兰，或是1750年的维也纳，指头下正在创造一个脱离了当下的声音世界，慢慢地，一点点地把听众卷进一副历史与情感的长轴。

真正的Charlie Parker并没有被Jo Jones用cymbal差点砸成脑残。

在他的自传里，Cymbal只是砸在了地上，发出叮咚的声音示意他滚蛋 。

第二天他也没有洗心革面化身机器人开始疯狂加速，而是在接下来的一年里开始了系统的学习，包括音乐理论，以及大量地听大师的演奏，慢慢变成了融会贯通的大师之一。

Miles Davis也并没有因为专辑里常常出现椅子轻微吱吱叫的声音把录音师炒鱿鱼，这独特的录音室噪音反而成为了佳话，音乐评论员们不停津津乐道，赋予其“爵士乐的时间感与空间感”。

Dave Brubeck漫步在1950年的土耳其，来自异域的灵感穿过了一个奇思妙想和才华横溢的大脑，从而诞生了美妙的五拍子爵士乐“Take Five”。

这才是音乐的灵魂。

整部电影唯一能让我感到灵魂的一刹那，是当Fletcher在酒吧里弹琴的时候。

脸上的表情像极了一个正在享受音乐的演奏者，那随着不和谐的小二度音程而挑起的眉毛，和回到主和弦时的解脱的笑容。

至于Andrew最后旁若无人的报复和令无数观众血脉偾张的独奏，放在现实生活中只能对他说一句good luck了。

少年，无论你手速再快，也仍然无法成为Charlie Parker了。

因为你没有灵魂。

很多评论在讨论弗莱彻对迈尔斯的态度的时候都没有考虑到他们所处的社会阶层。

众所周知，美国的教育是分阶级的，越高的阶层的教育越严格，而底层是快乐教育。

弗莱彻的父亲是高中老师，在美国中产中算偏下。

哥哥们则是“黑皮体育生”，快乐教育典范。

出生在这样的家庭中的迈尔斯，进入顶尖音乐学院不仅仅为了更好找工作，也带有跨越阶级的性质。

只有中上层阶级的美国人才会欣赏音乐，重视音乐。

毕竟卡耐基音乐厅一张演奏会的门票价格不菲，不在他原生家庭成员的日常娱乐消费之内。

从迈尔斯父亲的服装也可以看到，他平时很少穿着很少像最后一场音乐会那么隆重。

迈尔斯的音乐梦想是不被他这个阶层的人所接受的。

他家人、女朋友都觉得无法欣赏音乐，认为这是形而上、华而不实的东西，不如体育简单刺激，也不如一块披萨美味。

所以在进入顶尖音乐学院以前，迈尔斯是无法通过自身努力或者家庭的托举实现自己的音乐梦想的。

学过音乐的人应该都知道从小接受正规音乐教育的重要性，以及好的老师的重要性。

这一行是很吃人脉的。

他不像莫扎特，出身音乐世家，从小接受正规音乐教育，有大量的演出机会，从小能够驾轻就熟地在众人面前表演。

他只是一个默默无名的学生，有一点小天赋，但在进入谢尔弗以前连一个上台的机会都没有，缺乏经验的他上课会迟到、演奏会弄丢谱子、忘记带鼓槌。

不是他不重视，而是缺乏大型表演的经验。

比起从小开始卷的音乐生来说，迈尔斯落后太多了。

不仅是他，他们乐团的鼓手都是这样，也是弗莱彻精心挑选的培养对象。

这里聊一聊指挥家弗莱彻。

作为顶尖指挥家，顶尖音乐学院教授，他带过的学生里不乏从小经过音乐熏陶，技术扎实，技术到位又能表演出细腻感情的“优等生”。

但带领一个一个本身优秀的乐团取得演出成功并不能证明他教育方面的才能。

那些优等生大概率也不会感激是这个教授发掘了他们，而是本身就足够优秀。

能实现弗莱彻价值的，是而是一群动力很足但基础很差的“差生”，通过他这个大师的改造，成为能与优等生匹敌甚至更胜一筹的棋子。

很多讨论都聚焦于弗莱彻是鞭策还是报复，我认为是对迈尔斯的鞭策，以及他们一起对音乐阶级属性的报复。

弗莱彻从底层选拔好苗子，是想突破音乐的阶级属性，使其不再是上层阶级的特权。

他想证明出身非音乐世家，全家没有音乐细胞，从小没有正规音乐教育，但凭借自身超强意志力和弗莱彻的鞭策也能在卡耐基音乐厅的舞台上演奏。

弗莱彻的性格非常复杂，他能在最高级的音乐殿堂指挥，也能在地下爵士酒吧演奏。

剧中没有对他的经历有过多挖掘。

弗莱彻是愤世嫉俗的。

在乐团排练的时候，他说过，他是权威，他有权决定谁能留在乐团谁必须离开。

但被迈尔斯举报以后他意识到，真正的权威是台下的听众，学校的高层。

一个举报能够轻而易举地结束他的指挥生涯，否定他所有的音乐成就。

或许从那时起，他就想要对抗台下的那些真正的权威了。

但他自大又懦弱，他不可能自己去搞砸一场重要的音乐会来挑战权威，而迈尔斯就是他的替罪羊。

从之前他在自己学生的死因上撒谎也可以看出，他是重视自己的名声的。

在他的计划里，迈尔斯搞砸音乐会，遗憾离场，他既报复了台下的权威，又报复了举报他的迈尔斯，一箭双雕，而又全身而退。

迈尔斯的性格同样是复杂的。

他争强好胜，不甘被平庸的生活束缚。

弗莱彻的出现，是他逆天改命的一次机会。

在音乐领域，他已经落后太多了。

拍子节奏、音高音准、速度等等这些基础性的技术层面的东西，很多音乐生从幼儿园就开始刻意练习了，而他拼尽全力、把手磨出血都才勉强达到期望的速度，更别提稳定性了。

在极端的时间内速成达到别人几十年的水平，这是他和弗莱彻共同的目标。

他又是热爱爵士的，这是他最大的优势。

从小练习的学生技术可能更精湛，但枯燥的练习过早消磨了他们对爵士音乐的热爱，导致他们的音乐没有灵魂。

迈尔斯有对爵士的敏感度，他知道什么是好的音乐，只是技术让他没办法表现出来。

从影片中可以看到，他的生活随处可见爵士元素，房间贴着海报，坐在餐厅听到音乐可以立马报出作曲家甚至年份。

弗莱彻的出现对他而言是一个难得的机会，去从一个业余爱好者变成一个演奏家。

他本身也有成为一名演奏家的决心。

从这个意义上来讲，弗莱彻和迈尔斯是双赢的。

他们都热爱爵士超过自己的一切。

他们共同的愿景是给世界带来真正好的爵士，由他们自己定义的好的爵士，而不是台下的权威们定义的好的爵士。

之前说到，弗莱彻本想把演奏失败的锅甩给迈尔斯。

用下一首曲目挽回自己的名声，才会在迈尔斯重返舞台的时候阻止他。

弗莱彻知道就这样让迈尔斯演奏的话，他调换谱子的事可能会败露。

但当迈尔斯真的演奏出精彩绝伦的音乐时，弗莱彻为了这纯粹的突破性的真正好的爵士乐放下了自己的名誉，为迈尔斯指挥。

就算被底下权威知道他调换谱子故意搞砸音乐会也无妨，他要把真正好的爵士带给这个世界。

这场音乐会以后发生了什么，导演没有让我们知道。

如同查理帕克的故事一样，严厉的伯乐带着自己的千里马完成了一场酣畅淋漓精彩绝伦的演奏。

这场演出一开始就已经失败了，或许后面的一切都难以改变他们以后离开舞台的命运。

但用弗莱彻的话来说，这就太可惜了。

或许某个权威突破桎梏，愿意给他们一个机会，出唱片将音乐带给世界。

开放式结局的魅力在于能够让观众自己在脑海里编一个想要的结局。

真的是一部令人回味良久的佳片，两位主角塑造得十分立体饱满。

他们是相似的，音乐可以胜过一切。

但要放弃其他一切很难，即便主角也有过挣扎。

迈尔斯放弃爱情却仍希望她来听他的演奏，弗莱彻把名誉看的很重要却最后放弃名誉为迈尔斯指挥等。

最终他们都做出了自己的选择，约束自己的人性，伟大的音乐在痛苦中诞生了。

我无恶意，就实话实说两句个人看法。

我弹吉他的玩乐队的，女朋友也是鼓手，这片子我跟她一起看的。。

我们看的时候就觉得感觉怪怪的。

最后看完我们总结了一下，具体为什么怪怪的下文会说到。

后来看到朋友圈啊微博什么的，还很多玩音乐的圈子内的朋友评论说这片子如何如何好，主流的评论都说狂赞这片子好，我真是不懂了，不玩乐器的这些普通观众跟风也就罢了，怎么懂的人也这样。

我不是说这片子不好，就是跟很多人喜欢找古装片穿帮的镜头什么的，找下漏洞。

像美国音乐水平这么高的地方，编剧编出来的剧本这个样子，我真是不知道说什么好了。

好了，正式开始说问题：1，我觉得全片最大的硬伤，就是像玩乐器，音乐性灵性我觉得可以像片子里面那样培养，但是，速度这种东西，无论你弹什么乐器都好，基本上都是要日积月累跟着节拍器一下一下死磕，慢慢慢慢弹的快起来，稳起来的，这个可以看各种速弹吉他手速度型鼓手的各种教学和采访。

像本片中那样靠一个导师精神上逼迫你就可以突然把你速度提升基本上是没什么可能的。

所以我觉得这是全片最大的漏洞。。

正因为这样，我觉得这片子其实更多还不如看成是一部体育类的励志片，教练激励你跑的更快，跳的更高反而更靠谱。

用在音乐上，还是爵士乐上，真是感觉非常不靠谱，因为这个硬伤真的很硬。。

2， 片子里面JK老师老师在排练的时候各种鼓手刚打两下就打断他们，说这样不行那样不行。。

我是真没听出来哪里有问题，是速度不对吗还是节奏型不对还是音乐感没到位？

请哪位真正打鼓或者会其他乐器的朋友看懂了的给我解释一下，真心求教。。。

这样的情节全片很多，如果这个地方解释不通，全片又是另外一大很大的硬伤。

3，片子里面很多打鼓打的流血的镜头，我跟gf也是觉得假的不行。

我当然知道这是剧情需要，为了烘托气氛，煽情所搞的，但是真正从打鼓的角度来看，把鼓皮打破，打镲片打烂，鼓棒打断，抛开器材老化的因素，另外的时候大部分情况都是鼓手自己打鼓方法不正确导致的。

另外鼓手你手受伤了，还流血了，还越痛越要打，要保持稳定的鼓点速度，根本就不太可能的，这里也是看起来假的不行。

最后恭喜鸟人拿奖，实至名归。。

去年明显应该是达拉斯买家俱乐部的。

扯远了！

豆瓣混迹多年，第一次写这么长的影评因为实在看不下去了。

最后麻烦大家口下留情，善意讨论！

谢谢大家了！

2015-02-25 23:41:36 可口天木 (爱生活！

)　　没什么人回应，我自己再补充下，今天之前又上IMDB看了下10星里面给1星的评论，里面好多正经的乐手，美国专业音乐院校毕业的，职业的乐手。

说的头头是道，基本上都是说这片子侮辱了爵士乐。。。

外行看热闹，内行看门道吧。。

披着音乐的幌子，被好莱坞一包装，味道全都变了。

2019-08-10时隔很久再次更新一下。。

有条件的。。

可以去搜索一下真正的全职音乐人对这个片子的看法。

我自己看到的就有两个，一个是Rick Beato， 一个是Adam Neely，真正的职业音乐人，一个是职业的音乐制作人producer，一个是职业的贝斯手Bassist。

他们两个的意见说的算是含蓄的了，但是基本上要表达的点都表达出来了。。

自己去看去搜吧。。。

王尔德讲：一切问题都关于性，可是性本身除外。

性关于权力。

挑逗（在很多场合下可能是性骚扰）的快感在于边界突破。

S的乐趣是突破别人边界，M的乐趣是被突破边界。

我很震惊所有人在讨论这部片时，都在聚焦教育方法，而忽略了一个至关重要的点，那就是它其实是一部爱情片（甚至，绝大多数有情感张力的电影，都可以归类为极致推拉intimacy爱情片）。

　　dragging or rushing，就是《爆裂鼓手》中，咒语般的调情密码。

它其实是在拍，每个假装正常的M都在等待命中注定的S，在等待，到底谁能突破他看似固若金汤的边界——讽刺的是，如果没有遇到合适的S或者M，大家可能都是正常人，甚至一生都是正常人。

正常人的意思就是：愿意维护自己边界的人。

　　但是当完美match的S与M相遇，他们就会像江户川乱步的早期名作那样，步入捆绑，直至死亡。

因为，爱情的本质，是情感的波动，和激素的分泌——而情感的波动和激素的分泌，令人上瘾。

很多时候，那其实不是爱情，也不符合对浪漫爱的定义，但那毒性入骨的感觉，像极了爱情，超过了爱情。

　　小时候不懂《猎人》中奇牙每每想起伊耳谜的战栗与怀恋，长大后理解，即使强者如签下体育史上最大合同的维斯塔潘，也充满了心理阴影。

那是浑身上下被父亲魔鬼训练，鞭策出的累累伤痕。

　　说这是学生和老师的虐恋，不完全。

那是一种混杂了仰慕、依赖、理解、报复、占有、征服、挫败等等，绑上了一生所有荣耀的，用人生去缔结的搏击会。

那是必须要往死里厮杀的。

　　对于男主来说，他对爵士乐的过人执着与抱负，注定无法被家人与女友理解。

正常人，或者说人在正常状态，都只能接受，每个人都应该健康平安活到九十岁，相比世人（甚至不是世人，而只是一小撮爵士乐迷友）的认同，更重要的是朋友和家人的陪伴。

　　所以男主自恋狂般的追求，就说一种难言之隐，无法对除了暗黑老师之外的人开口——34岁暴毙身亡，穷困潦倒，搞不好还海洛因成瘾……这是诸多爵士乐大师的生命轨迹。

男主追求的是一种刺激，甚至是一种不朽，那是无法从平平淡淡的生活中获得的，必须要远行。

仅仅肉体上远行是不够的（实际上，许多音乐大师也喜爱肉体上远行，比如Cream的鼓手干脆是达喀尔拉力赛的发明人），还要在精神上远行。

　　如果说肉体上的远行构成了一种见识和修炼（类似Cream的鼓手发明穿越沙漠的达喀尔拉力赛），那么精神上的远行就更加令“正常人”难以理解。

那是要去到黑暗地带，被虐待，去体会平淡的中产阶级（男主甚至可以算是出身中上流社会）中所感受不到的精神震荡，并感到无比曼妙。

伊耳谜高压电了奇牙，所以奇牙恋兄情深，奇牙因此更强。

　　如果你有艺术创作或者表达的体验，你会很容易知道，完全沐浴在无条件爱中的小孩，是无论如何，很难达到艺术上至高时刻的。

他们可能会修读许多门艺术课程，读高大上的学位，拿着一堆晃晕外行的学位，但是他们的表达永远也无法让你感到不朽，因为那只是一些快乐的平庸。

即使悲伤，也无比肤浅，无论如何不可能有超越性。

　　而艺术的真谛恰恰在于，你得找到那种超越性——所以这是暗黑老师的暗黑教学法的真谛。

哪怕，他的出发点，只是自己变态。

那种超越性在于：你走过最黑暗的路，最糟糕的体验，最精神危机的时刻，但你仍然有一颗大心脏，挺过来。

你会发现，创伤才是真正的灵感源泉。

创伤，才能让你接近艺术的本质；创伤，才能不断对你形成驱动；你需要的是拥抱创伤，不害怕留下任何伤痕，乃至精神残疾。

　　暗黑老师有几个步骤制造创伤：　　****模棱两可的表述　　于是整个评论区都在猜他到底是为了鞭策男主还是激励男主，活脱脱也被暗黑老师PUA了。

但很明显，他实际上只是想报复罢了。

这就是被敬仰的人PUA的无上力量。

神秘高位人物的重要做事准则就是要让人捉摸不透。

　　****喜怒无常的心情　　打一巴掌给一个枣，不断的心理战术，藏起乐谱，搞出车祸。

上一秒把你捧上最高位，下一秒把你摔下最低点，自由落体，无限震荡　　****令男主艳羡的位置　　老师站在爵士乐的巅峰，代表着一种权威的认可，一种与艺术大师们的神交。

　 这就是男主想要的爱情，越是单方面的越爽，要抖M对S的单恋，要抖M竭尽全力，去追逐一个他心目中的圣光。

从头到尾，虐待的气息在《爆裂鼓手》中挥之不去。

他产生依恋，他努力争取他的认同，他去酒吧找他“复合”，他在他的刺激下突破极限——病态依恋，断联，复合，做爱，毁灭。

　　所以导演说，他的鼓打完了，他的自我被超越了，但是没有鲜花、没有掌声，只有无边无际的黑暗；他的父亲也不曾欣喜，只有惊讶与愕然。

唯有他的老师，仿佛刚刚和他做爱。

和爵士乐本身的灵动、技巧、深邃已经全然无关。

　　最后的高潮段落，是顶级的SM拉扯。

　　超越自我，让自己客体化，变成工具人，把自己工具化，全部，全部，全部献给S的目标，放弃人性，放弃智慧和灵性，做一个物品，做一个坏掉的物品，做一个被拉扯到极限然后支离破碎的物品。

　　一般来说，我们形容一个人抄捷径换取什么，会说，“TA与魔鬼做交易”。

可是，《爆裂鼓手》，干脆是一场与魔鬼交媾的旅程。

男主走的是最艰苦的捷径。

那是地才通往艺术殿堂的捷径，走到一个他本身的资质并不足以抵达的地方去。

就仿佛，你爱上艺术是因为，你感受到了阳光穿透树叶落在身上，很开心；可是，你好贪心。

你想要这一整片森林，你想和树叶一起呼吸，你想追踪到目力所不及之处小鹿的跳脱，你超越物种，去聆听泥土中的虫鸣，乃至嘶嘶作响的毒蛇在吐信。

　　那你需要像奇牙那样，被伊耳谜电一电，超越你本身的物种和天赋，才可以。

　　这是每个地才，所能尝试的唯一一条路径。

你不是莫扎特，你自然无法快乐地创作。

你只能去体验苦难，感受创伤，强迫自己，直到敏锐力和忍受力，都变得无比支持你——而为何突然变得如此努力，如此坚持，如此有爆发力呢？

　　那仍然是爱，只不过，是爱的暗黑面。

　　爱的暗黑面，就是偏执。

本不够坚强努力的人，偏执了，就不一样了。

爱与偏执，就是前行的动力，能让没有能量的人，爆发巨大的能量，最终自我超越。

　　《爆裂鼓手》并不关于教育或者爵士乐，它只关于一段没有创伤于是给自己制造创伤，一段一地鸡毛和残破的青春回忆。

它描摹着只有小才华而没有大天赋的人，欣赏能力远高于动手能力的人，要走过一段如何崎岖坎坷跌宕起伏又受虐不停的路，才能稍微做一点，让自己满意的东西。

而仅仅是这一点点满意，便已经，耗尽了全力。

　　热爱才是艺术终极的暗黑面。

《爆裂鼓手》这部电影对观影者的冲击很大，跟以往所看的欧美影片很不一样。

后来了解导演达米恩查泽雷曾是一名鼓手，同时电影部分内容是根据其在高中时期参加乐队的真实经历改编。

在我们的学生时代，会不会都有一位暴脾气的老师存在，就不得而知。

我想在导演的内心世界中，一定曾住着他害怕的乐队老师，才会诞生这一部类型特别的奥斯卡获奖作品。

这部电影分不清是老师在造就天才抑或是逼迫天才，也分不清有天赋的人是因为其执拗、死磕还是癫狂成就自我。

总之，在观影的时候内心是有点崩溃的。

但在第二次看《爆裂鼓手》的时候，又发现老师跟学生之间的虐与被虐，是如此的相辅相成。

是的，成就经常附带失落；荣耀往往源于耻辱；辉煌必然来自黑暗。

这部影片试图跟观众探讨的，是人类本性中让人无法接受的却又极度真实的一面。

片子的观赏度算是上品。

但这样的本子，为了将两个角色闭合在一个关系简化的冲突情境里挤出最大的张力，肯定要牺牲不少合理性。

果然，还没过20分钟，某些不能深究的就冒出来了：从开头看，安德鲁对老师的名气和专业水准早有耳闻，不然不会一脸求认可，那为何对此人的魔鬼性格却一无所知？

那些过去被弗莱彻虐过的学生就没有一个在非死不可上吐槽？

而如果他事先有所了解的话，怎么还会把他对自己的假亲热当真？

还敢飘飘然地露出一副找抽样（还真的被抽了）？

一个出身单亲家庭、在原来的乐队里还颇不受待见的人，按常理不会这么容易骨头轻。

如果他真的这么轻了，那说明：1.陈丹青说的，米国人都没怎么被人欺负过。

2.这人正处在“我果真与众不同”的满中二状态。

3.挨抽是活该。

有种说法是，天才不通人情世故很正常。

可这个故事里，根本没有天才什么事。

真正的天才是不用人去逼的。

我想弗莱彻自己对此也心知肚明，所以一张嘴就问对方是不是出身音乐世家。

如果安德鲁回答说“是”，那戏就不好演了。

这个剧要的就是这种“一对一”的关系。

安德鲁身边没有别的参照物，弗莱彻的评价对他来说就是权威、判决和唯一的标尺。

于是“核心鼓手”成了关键词，代表着弗莱彻赐给他的“位置”和认可。

一路奋斗、争夺，直到闹出了车祸。

看到这段的时候，我很期望下面的情节是他在这次车祸中失去左手、终身残废什么的……好吧，我总比编剧更邪恶。

但那完全有可能发生。

在现实中，这种焦虑、暴躁和情绪失控更容易白白毁掉一个有才华的人，而不是成就他。

安德鲁对“核心鼓手”的捍卫和暴走，令人想起《上帝的宠儿》中的萨维埃里：因为我忍受了巨大的痛苦，在孤独中奋斗到血肉横飞，所以连上帝都不可以夺走我的所得；哪怕有确实高于我的天才，也得滚开。

这是种“狠人”的逻辑。

安德鲁之所以把自己的心灵交给弗莱彻操控，是为了换取这个“上帝（或魔鬼）”把他塑造成一个“天才”。

而后者俨然也沉迷于以这种“主宰”自许，尽管他从来没造出过一个查理·帕克。

他最后的设局表明，在“捍卫位置”这个问题上，他和他造出的“狠人”一样，心如针尖，容不得一点触碰和质疑。

“狠人”才会great吗？

也许。

然而对艺术偏执的人，未必都“狠”到了藐视众生的境界。

贝多芬性格孤僻易怒，终身未婚，却还得为平庸的亲戚们花钱，无理由地溺爱干啥啥不行的侄子。

梵高离精神病院只有一步之遥时，仍然画着身边平凡的邮差、医生和农妇，还在努力“渴望生活”。

用“狠”来变得great并无不可，但想great到在耳聋的状态下边打官司边写出《欢乐颂》，恐怕是够呛了。

况且，对艺术本身的偏执，和中二病乃至对某个魔鬼教师的偏执，是两回事。

后来弗莱彻把学生的平庸归结为听了太多的“good job”，这使我忽然想起房龙在《人类的艺术》中写的一段话：“米开朗琪罗的伟大，在于他深刻的不满。

不是对别人不满，而是对他自己。

像我们这个地球上的一切伟大人物一样，像贝多芬、伦勃朗、哥雅、约翰・塞巴斯蒂安・巴赫这样功底深厚的艺术大师一样，他深知‘完美’一词的含义……这块答应的福地，是不会白给我们人世上的任何人的。

我们也永远别想到达我们不可能到达的地方。

因此，一切智慧，都出自这种深刻的不满；一切伟大的艺术，也出自这种深刻的不满。

”是的，真正的天才不用人去逼他，因为他会自己逼自己。

鲜花和掌声不会令他满足，“good job”只会博他礼貌地说声谢谢，之后什么都不等于。

劳伦斯・奥利弗爵士在后台听着观众的欢呼，说“明天恐怕演不了这么好”；巴尔扎克从午夜0点写到8点睡下10点又起来，为的是在印刷厂的人来取之前大修自己的稿子；果戈理一遍遍改到临终，终于还是烧掉了《死魂灵》的第二部；塞尚躲在埃克斯，没完没了地重画同一座石头山……他们所追求的高过任何世人的赞许，他们自己就是最严厉的魔鬼教师，那鞭策至死方休。

结尾与其说安德鲁超越了极限，不如说他终于超越了中二病，知道等别人来赏饭吃是靠不住的，得自己主动逼自己一回。

但他的前途呢？

这又不能深究了。

因为莫扎特只有真正的上帝才能制造，冒名顶替的“上帝”最多只能教人当萨维埃里。

顺利的话，将来能当上宫廷乐长。

再往后，你是弄垮了别人，还是弄垮了自己，都悉听尊便吧。