某种物质

《某种物质》。

7分。

科拉莉·法尔雅编剧、导演，黛米·摩尔、玛格丽特·库里主演作品。

诚恳地说，这个片子看到后半段，让我极度不适，强烈生理性不适。

即便我心里清楚这是对现实世界的极大讽刺，我心里仍然无法接受这些画面的肮脏。

某种程度上，我其实是个心里有洁癖的人。

故事表面科幻，其实并不复杂。

一个大龄女星想要继续霸榜，继续站在舞台中央，继续站在聚光灯下，她唯一可以做的只有重生。

于是，药剂出现了。

从黛米·摩尔本就性感的身体里，长出了一个更加性感的玛格丽特·库里。

都是不可多得的尤物。

黛米·摩尔硬刚的性感，确实在玛格丽特·库里水灵的性感面前不堪一击啊。

美貌这件事，没有对比，就没有伤害。

于是一个想重生，一个想毁掉过去的自己。

欲望这件事，真的是无穷大啊。

这部电影的内容很浅，我从技法上简单聊聊。

分离出来一个新蛋黄这样的开头可有可无。

崭新的地砖到被忽视，是常用的手法。

节目完毕，过道，女洗手间暂时不能用，去男洗手间正好听到老板电话。

老板走后，女主出来，面对自己衰老的容颜。

这场戏观众自然明白导演的用意，这个导演也是学了点东西的，比如老板走后的笑声，放大了门缓慢关上的声音，马桶抽水以及女主开门的声音。

但其实这样的表达太普通的了。

有两种改进方式：1，从开场到老板离开为止，不给女主正面镜头，让观众不去留意女主年龄，直到女主走出来，面对镜子的自己。

2，此处女主不出来，反而更能突出情绪。

（这就是电影中简省的魅力）这也是这位导演一个很明显的缺点，啰嗦，后面更是有大量女主身体部位的特写，重复到令人恶心。

这位女导演拍女性身体真的很一般，但她这种大量重复特写最终也没有达到她想要的，讽刺与对比的效果。

更多的是一种视觉上的疲惫。

餐厅这场戏表面上是突出女主年龄已到，没有利用价值，就像被剥完的虾壳一般吐掉。

但紧接着导演给了这么一个画面

男人老了依旧很受欢迎。

而直到电影最后，都是讽刺了一个不能接受自己的故事。

理论上，需要让观众先同情女主，然后改变人物弧光，达到讽刺效果。

但这里的同情，并不是一种同情，而是扭曲的，因为我恨男人，所以我同情女人。

所以直到最后，所有关于男性的画面，只是用了一些刻板印象的对立，来试图同情女主，并没有从女主自身出发。

这和很多人都提到的《日落大道》，在内核与认知上有着本质的区别，即从女性的需求出发，还是从女性的仇恨情绪出发。

从打光上突出背的老，再安排一个年轻女人对比。

这打光不错，但戏很低级。

导演也知道要解决两个问题：1，更强的人物动机。

显然这场戏只是一种简单的重复，没有让女主下定决心。

2，可行性。

虽然电影里先是让女主扔进垃圾桶，最后又捡起来。

虽然女主有动机（尽管还不够），也不至于就轻易相信，当然了，你是cult片，我可以忽略。

那么我们再回过头想，遇到明显对女主有好感，而且很包容的两处。

第一次是偶遇，第二次是需要安慰但失约。

如果只是为了给两次简单的信息，这两场戏太单薄了。

同时也对应了，我说导演没有找到女性真正的需求，以让观众同情。

正是缺少一个让整部电影的画龙点睛之笔的剧情：即年轻的身体确实美好，但接受自己面对自己、有一份踏实、舒服、安心的生活确实也不错。

对应的剧情，是让女主必须面对选择：在年轻中继续享受聚光灯，或和老同学组成家庭，享受放松的生活。

显然，如果老同学这个剧情生效了，观众会看到女主的两难，从而更加同情女主。

如果女主最终选择年轻，那么这个讽刺也更加辛辣与猛烈。

后面就不再看一遍了，就如我说的，尽管库里身体好看，但冗余的特写丝毫没有美感。

至于《查拉图斯特拉如是说》响起时，这种拙劣的模仿和用法更是令我忍俊不禁。

导演发现自己也没啥好讲的，没啥好拍的，因为从这电影一开始就在那里重复，既没有把这个话题讲得深一点，趣味性也没有，女性诉求也忘了。

整个电影就很塑料，就像那些塑料注射器和袋子一样，为啥不花点钱整个可信的场景，千万别告诉我这也是反讽，哈哈。

于是就彻底放飞自我了，总要整点大的，不整点大的，万一被观众看穿了怎么办？

正所谓艺术就是爆炸，就喷点血，爆点炸，给大伙儿瞅瞅，开心开心。

仅代表我的一些想法，不喜勿喷。

好讽刺，本来我是好奇有多猎奇看下来的，到最后只剩下可悲的情绪久久不能褪去。

年龄焦虑外貌焦虑如今在社会上已经屡见不鲜，然而裹挟着女性的还有性别歧视和无处不在的凝视。

影片确实将这些困境放大了，邋遢吃相满口黄牙的老板、无数遍扫视着下体的摄像机，配合着燥热的鼓点一遍一遍挑逗观众的神经，比起最后畸形的 Sue 或是 Liz，我觉得这些在现实中习以为常的画面反而更让我作呕。

编剧的初衷是想传递反焦虑的女性主义，但我怎么只看到了女主的堕落、痛苦和绝望，那些刻薄尖酸的男性、异样的眼光却并未受到惩罚，仍然会有下一批光鲜亮丽的女孩走进摄影棚，而那些始作俑者照样能躺在沙发上数着大把大把的钞票。

我们应该去批判整容失败的人吗，就像片中的 Liz，谁能说她的专业能力不过关？

那些整容女性的初衷难道不是社会带来的焦虑吗，为什么要用这种女性的痛苦反过来告诉女性：你看，这就是过于容貌焦虑的人的下场，所以请不要焦虑了。

永远都会有人年轻，而没有人能够一直年轻。

这样尖锐的结局我难以接受，眼睁睁看着一个优秀的女性在舆论的蚕食下毁灭，而没有好结果的也只有她一个，片中的观众得到了猎奇心理下的感官满足，公司说不定也收获了意料之外的收视率。

只有 Liz，化作一滩血水宛如不存在过一般。

这个病态的社会未曾改变过，仍然会有渴望站在舞台上的下一位挤破头皮经历这样惊悚的轮回。

我会停止焦虑吗，不会的，因为我知道这个世界不会改变。

欢迎关注公众号“影探”总评《某种物质》太tm 恶心了，不管是心理上还是生理上。

尽管天生喜欢变态重口片，“靓女”一杯都毫无压力，但还是被恶心到了。

幕后照片它跟《索多玛120天》《下水道美人鱼》《隔山有眼》《致命弯道》《断魂小丑》那种恶心还不一样。

除了表层的视觉冲击，更多的是深层次的心理上令人作呕。

造型上，仍是《撕裂人》《变蝇人》《怪形前传》的水平，但真正达到了让人抵触和反胃的效果。

幕后照片

《变蝇人》《撕裂人》《怪形前传》前面有多性感妖娆，后面就有多恶浊污秽。

它讽刺的除了男性凝视，更是原始的、被欲望奴役的本我，对于现实自我的剥离和抵触，对于客观规律的无效抵抗，对于欲望的野蛮放纵，和对于虚荣的无休止的贪恋。

最终，毁灭在黑洞一般的空虚中。

折腾一生，用生命换来的好莱坞星光大道上的那颗星，从熠熠生辉，到无人问津。

到头来，名和利，不过一场空。

开头和结尾的呼应幕后>>>>1.义胸假体年轻版女主由玛格丽特·库里（《好莱坞往事》中的吉普赛女孩）饰演，拍摄时她29岁。

全裸镜头中并非她的真胸，而是贴了假体。

《某种物质》

《好莱坞往事》>>>>2.Pierre Olivier Persin假体由法国艺术家Pierre Olivier Persin制作。

他一直致力于为明星化妆，和为非数字特效作品制作假体，在将近30年的职业生涯中，他已经为130多部影视作品做过化妆或假体。

其中包括《权力的游戏》中的异鬼。

拍摄于其工作室>>>>3.黛米·摩尔年老版女主（设定50岁）由黛米·摩尔（《人鬼情未了》）饰演。

刚开始她对于全裸镜头有很大的心理负担，因为拍摄时她已经61岁了。

当她知道玛格丽特·库里也将拍全裸镜头时，她才有些释怀。

《人鬼情未了》1990>>>>4.全裸镜头黛米·摩尔自爆，在拍摄照镜子的全裸镜头时，几乎每个镜头都要拍至少15条才能过，拍了一天之后她整个人都麻了。

>>>>5.《道林格雷的画像》影片灵感源自小说家奥斯卡·王尔德长篇小说《道林·格雷的画像》。

《道林·格雷的画像》于1890年开始连载。

讲述的是道林·格雷是一名俊美的贵族少年，他向自己的画像许愿希望永葆青春，所有的岁月沧桑和罪恶都由画像承担。

随后，他的俊美的样貌不再变化，而画像却日渐丑陋……

>>>>6.《象人》+《巴黎圣母院》导演科拉莉·法尔雅称。

大卫·林奇的《象人》（1980）和维克多·雨果的长篇小说《巴黎圣母院》（1831）也是她的灵感之源。

《象人》讲述的是一个天生畸形患者一直在马戏团中被利用，被当做疯子，直到他遇到一个同情他的医生的故事。

同样。

《某种物质》中的年老版的女主，不认同甚至抵触衰老的自己，同样是一种“心理畸形”。

而她也一直被公司利用，当做赚钱的一个棋子而已。

《象人》

《象人》《巴黎圣母院》中的卡西莫多（Quasimodo）是一个悲剧人物。

他是个孤儿，奇丑无比，同时也是圣母院的敲钟人。

“那四角的鼻子，那马蹄形的嘴巴，那猪鬃似的红毛底下小小的左眼，那完全被一只大瘤遮住了的右眼，那像城垛一样参差不齐的牙齿，那露出一颗如象牙一般长的粗糙的嘴唇，那分叉的下巴，尤其是那一脸轻蔑、惊异和悲哀的表情……”但他又渴望浪漫美好的爱情。

同样，变成怪物的女主，外表丑陋，但她依旧渴望镜头的聚焦和观众的喜爱。

《巴黎圣母院》1939中的卡西莫多影片中怪物厚重的驼背，歪斜嘴脸，胸前的牙齿和臀部的人脸，都受了以上作品的影响。

导演想要最后的怪物和苗条纤细的芭蕾舞女演员形成鲜明对比。

“我希望它会挣扎，会跌倒”导演说。

而与之对应的“完美物质”Sue，则是一个身心受到外部评价骚扰的产物。

“她是通过男人看待女人的方式来塑造自己的”，导演说。

她所做的，都是迎合镜头。

也就是迎合镜头背后的观众。

>>>>7.用男凝讽刺男凝男性凝视是一种社会现象，是指在男性主导的社会中，女性被弱化为第二性。

男性则是观看和凝视的第一性，并享受凝视和窥视的愉悦。

满足男性欲望，成为女性的负担，而男性，则享受这种欲望带来的快感。

许多观众并没有意识到“男性凝视”，包括女性观众，因为纵观历史，男性凝视都一直占主导地位，并被自然化。

导演试图用大量的男凝镜头来讽刺当下的男凝，比如许多人一帧一帧观察女主的屁股。

甚至比一般作品中的镜头更加肆意妄为，镜头全是女性三点（双乳和生殖器部位）的特写。

然而，导演用男凝讽刺男凝的逻辑却有些矛盾和荒唐。

它用大量的男凝镜头吸引达到了更多的关注，它是男凝利益的即得者，却又厌恶男凝。

就好比为了讽刺小偷，我就去偷东西；为了讽刺杀人，我去杀一个人。

《某种物质》既是讽刺者，也是被讽刺者，既是受害者，也是加害者。

最终，为了讽刺一个东西，自己恰恰成为了那个东西。

>>>>8.三点六万加仑假血浆影片最后一场戏，用掉了36000加仑的假血浆（信息来自《Entertainment》）。

约是13.6万升的水，也就是6813桶大桶水（参考人体内的血液约1.5加仑）。

为影史之二。

目前最多的是2013年的《鬼玩人》，用掉了7万假血浆（单最后一场戏就用掉5万加仑）。

《闪灵》（1980）中经典的电梯飙血场景用掉了200加仑假血浆；《鬼玩人崛起》（2023）用掉了超过1700加仑的假血浆，也就是1133个成年人的血量；《僵尸玩过界》（1992）用掉超过1000加仑的假血浆；《食人鱼3D》（2010）中食人鱼血洗沙滩的戏，用掉7500加仑假血浆；《佛莱迪大战杰森》（2003）用掉了300加仑假血浆；《魔女嘉莉》（1976）中倒了一桶“猪血”，由糖浆和食物色素调制而成；《杀死比尔》两部加起来用掉了450加仑假血浆。

以上数据来自Screenrant、Film等

幕后照片台下的每一个观众几乎都沾满了女主伊丽莎白的鲜血。

意味也很明显：台下的每一个观众，都是杀死伊丽莎白的凶手。

幕后照片破碎的伊丽莎白，最后跌跌撞撞的走上舞台，说明她已经被不再和丑陋的自己做斗争了。

“她不再以任何规定的美丽标准来看待自己”，导演科拉莉·法尔雅如是说。

最后怪物的爆炸，和喷涌的鲜血则是一种宣泄和爆发。

社会所制定的美丽的标准，和对肉体以及外表美丽的迷恋，其实是一种无声的暴力。

最终，伊丽莎白选择用暴力——自己的内脏和血液，来对抗这种暴力。

所有看这场秀的观众，都应该为这次爆炸而负责。

>>>>9.戛纳最佳编剧奖影片获得第77届戛纳电影节最佳编剧奖，首映礼过后观众起立鼓掌长达13分钟，是本届戛纳电影节最长时间的起立鼓掌。

>>>>10.致敬自己+库布里克片中Sue戴了星型的耳环，是对导演之前作品《复仇战姬》的致敬。

《复仇战姬》讲述的是女主被男友朋友强暴后，男友并没有帮她，而是把她推下悬崖，帮朋友毁尸灭迹。

女主奇迹生还后复仇的故事。

《复仇战姬》2017《某种物质》很多镜头都致敬了这部作品，包括对女主臀部的特写，以及服装。

《某种物质》

《复仇战姬》2017除了致敬自己，影片还致敬了库布里克的多部影片。

>>>>11.Mubi环球影业本来是这部影片的发行商，但中途退出，因为“担忧这部影片的影响”。

后来在戛纳电影节首映之后，Mubi买下了影片全球发行权。

Mubi被称为独立电影界的网飞，主打国际和独立电影的视频点播服务，常为用户提供精选的小众艺术电影。

《某种物质》是Mubi发行的电影中收益最高的影片。

>>>>12.肉体恐怖《某种物质》是第一部在越南放映的“肉体恐怖片”（body horror）。

肉体恐怖，又称为“生物性恐怖”和“组织器官恐怖”。

主要来源于人类对自身形体的破坏或肉体衰退、生理上的变异所产生的恐惧。

这类型的作品经常会有肉体上的疾病、腐烂、衰败、寄生、破碎、改造、突变等题材的描述。

比较有代表性的导演如大卫·柯南伯格，代表作《变蝇人》；弗兰克·亨南洛特，代表作《科学怪姬》；斯图尔特·戈登，代表作《活跳尸》。

《某种物质》也深受这些作品影响。

《科学怪姬》1990《某种物质》作为肉体恐怖片，虽然在造型上没有太大突破。

但在心理是可以说是非常成功的。

它将人们对于肉体和器官衰老的焦虑转化为恐惧，让人从意识和心理产生生层次的、强烈的抵触和厌恶。

最终，从表层的视觉厌恶达到了深层次的生理厌恶。

在越南上映时，《某种物质》被删了3分钟。

结语作为一名女性导演，科拉莉·法尔雅对于凝视镜头运用得驾轻就熟。

她的镜头，甚至比普通作品中的凝视更加肆无忌惮。

上面提到，用男凝讽刺男凝，本身的逻辑就是矛盾和荒唐的。

而且，造成女主伊丽莎白惨剧的，是来自外界的男性凝视，还是来自她自身的贪恋的欲望？

这些逻辑上的纰漏，都让影片反男凝的效果大打折扣。

惩罚应当是凝视者，而让女主变成怪物来惩罚凝视者让其无法凝视，无疑是伤敌一千，自损一万。

影片最后的接受和反抗，接受自己，毁灭自己，让鲜血射中每一位观众，也显得单薄和羸弱。

老板哈维影射的是现实中的哈维·韦恩斯坦女主是凝视的受害者。

因为凝视者喜欢更年轻，更性感，更美好的肉体。

年老的她焦虑、沮丧、暴躁。

她进而抵触和否认年老色衰的自己。

但她也是凝视的享受者。

她喜欢镜头和聚光灯的聚焦，享受观众对她目不转睛的注视。

她不是传统意义上的“服美役者”（为了迎合大众的审美和社会对外貌的要求而做“美的服役”，比如节食）。

却又是更加疯狂的“服美役者”，她为了迎合大众审美不惜吞噬和榨干自己。

结果，最后毁灭的，还是她。

而那些规则的制定者，和镜头另一边的观众和凝视者，没有受到任何伤害。

女主死去之后，老板会反思么？

观众会反思么？

也许会，但他们会很快寻找和凝视下一个Sue。

而死去的女主，真的是被社会所制定的娱乐和美丽标准（≠男性凝视）绑架么？

还是被自己贪恋的欲望所裹挟？

男性凝视不是原罪，贪婪的欲望才是。

女主伊丽莎白有名有利，已经达到常人无法企及的高度。

但她却内心空虚，抵触衰老，厌恶自己。

她想永葆注定短暂的青春和性感。

她想忤逆这个世界的客观规律。

即便她所在的社会没有男性凝视，她也会因为自己的欲望，而无限迎合另一种凝视，并最终毁灭。

她对于欲望的野蛮放纵，和对于虚荣的无休止的贪恋，才是她走向毁灭的根本原因。

别忘了。

男性凝视并不是个贬义词，而是种社会现象。

男性凝视也不光只是男性凝视女性，还有更高一级权力的男性对于权力少于他的男性的凝视。

拥有名利之后的她完全可以过上衣锦富足的生活，但她却选择拥抱凝视。

而且。

不管是男性主导的社会还是女性主导的社会，凝视都是与生俱来的。

我们存在于这个世界上，凝视就已经存在了。

只要有眼睛，就有凝视。

无关性别。

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戛纳X肉体恐怖，当这个组合词成为现象级讨论热点时，我第一时间能想到的就是前些年拍出过《生吃》，并在2021年凭借《钛》拿下金棕榈的法国导演朱利亚·迪库诺。

而今年，是另一位法国新生代导演用肉体恐怖征服了戛纳，导演科拉莉·法尔雅为这个组合词留下了自己的印记。

一针独特的物质被注射进蛋黄之中，不久这个蛋黄就一分为二变成了两个......曾几何时，好莱坞的星光大道刚铺上了一颗崭新的星星。

Elisabeth Sparkle，这颗星星属于这位冉冉升起的好莱坞巨星。

然而时过境迁，就像星星逐渐开裂，被粉丝淡忘一样，Sparkle也面临着人生中最大的难题——衰老。

尽管主持着健美操节目的Sparkle依旧活力四射，但在上司Harvey的眼里她就像个30年代的老古董，一个不再性感也不再有价值的老女人。

尝试与上司沟通无果后，Sparkle悻悻而归。

在路上她看到自己的海报被粗暴的扯烂，悲痛的恍惚中她出了车祸。

虽然身体没有大碍，但她的精神已经濒临崩溃。

不过，一个年轻的男护塞给了她一份神秘礼物—— The Substance的广告和购买电话。

The Substance，当注射这种物质后，使用者将会分裂出一个更完美更年轻的自己。

两个人需要每周过完后交替生活，一个活跃七天，另一个则要沉睡七天。

但不要忘了，二人是一体的。

在巨大的焦虑中，Sparkle决定注射物质。

极度的痛苦后，完美靓丽的Sue从她的后背中诞生出来。

Sue迅速获得了成功，而Sparkle成为Sue在豪宅中的暗影。

看似成功的双人生活，实则是自我毁灭的开端。

不得不说，共时性真是一种奇妙的现象。

前段时间的《玛克辛》，缇·威斯特也是用星光大道上的一颗星星做梗。

在电影开始不久后，玛克辛在默片时代性感女神蒂达·巴拉的星星上踩灭香烟，拂袖而去，展现了女性思潮的发展与对好莱坞过往剥削的一次抛弃。

《某种物质》则是反其道而行之，Sparkle并没有与自己的星星诀别。

她沉迷于过往和青春，最终酿成大祸。

这种反向处理，意在展示被裹挟的悲剧。

电影中The Substance的客服一直像机器人一般冰冷，他似乎把选择全部交给了Sparkle。

但这就是现实经常出现的虚假选择，你可以干也可以不干，但不干其实会失去一切。

面对男性统治下好莱坞的抛弃，Sparkle根本别无选择。

注定的选择，既定的毁灭。

Sparkle和Sue的关系，其实电影中已经非常明确的反复提及——you are one。

二人是完全一体的存在，不论她们怎样互相不满，怎样的独立，不能共享记忆和感知，甚至不受控制。

但本质上她们都是一体的，二人是Sparkle欲望与恐惧的一体两面。

光鲜亮丽的Sue渴望她活跃的时间更长，所以逐渐把七天不断延长。

这只是Sue自己的私欲吗？

Sparkle其实也非常渴望年轻的Sue能完全替代自己，一开始被Sue塞进密室也无所谓就表达了自我隐藏和逃避的心态，后面不愿杀死Sue再到下杀手时手下留情。

如果没有过度的衰老和不可避免的苏醒，她会欣然同意自己永远睡去。

这种衰老与苏醒，所代表是Sparkle那一丝最后的理性。

不管如何逃避衰老与现实，她终究会醒来面对一切，记忆感知不能共享也是说衰老的必然。

糟糕的心态和对青春的疯狂追求，让她在自己眼里愈发衰老，几乎成了一个怪物。

这种扭曲的自我贬低，被具化成电影中的极速衰老。

在最后，Sparkle想要结束这一切，但她还是臣服给了欲望而临时变卦，她希望看到年轻的自己成为跨年晚会上的巨星，这也导致她被Sue给反杀。

当Sparkle被Sue抓起来将被杀死时，她甚至笑了，因为她在镜子中看到美丽的自己在活着。

Sue与Sparkle还有两处处矛盾，一处是关于吃。

仿佛退休般的Sparkle在公寓胡吃海塞，看着Sue的巨大成功，她发泄情绪疯狂进食。

Sue的噩梦，是她从肚脐眼掏出来一个炸鸡腿，她对Sparkle暴饮暴食也很不满，因为自己不能。

毫无疑问这是身材焦虑的一种体现，被性感身材给束缚的食欲。

另一处则是性，Sparkle在酒吧独自买醉，孤独的身影与一旁打情骂俏的情人产生对比。

Sue带着男人在夜晚宣泄，被男人追求，而Sparkle则连同学的一次约会都不敢面对。

马斯洛曾提出过人的需要层次理论，生理，安全，归属与爱，尊重和自我实现。

Sue和Sparkle作为一体，从食物，工作保障，人格尊严，性需求和亲密关系的缺失，再到不能接受现实的逃避。

Sparkle的生活是极度失衡的，好莱坞粉饰下人的支离破碎。

回到The Substance视频和客服不断强调的you are one，既然Sparkle与Sue是一体的，二者又为何针锋相对。

这其实就是自恨，Sparkle的自我仇恨。

Sparkle嫉妒年轻的自己，便是痛恨年老的自己。

Sue嫉妒暴饮暴食的Sparkle，便是痛恨自己原始的需求欲望。

二者归为一体，其实就是Sparkle痛恨自己，这种自我仇恨当然是不自然的，这就要提到镜子的意向。

人有自我认知，也有来自他人的认知。

他人的目光就犹如镜子不停的反射，反映出人的各种样子。

从整个故事来看，Sparkle在浴室中的镜子，所代表的就是一种扭曲的目光。

像是她在约会前在镜子前的歇斯底里，仿佛镜子在嘲笑她的衰老。

镜子里看到Sue时不顾危险的诡异笑容，是看到自己被认可的喜悦。

Sparkle缺乏自我认知，被他人所控制。

即便Sparkle有自我认知，也是被荼毒扭曲并顺应他人的，这导致了她的自我仇恨。

这种仇恨的本质他人来源，在电影中还是很直观粗暴的被摆在了台面上。

吃饭时吃干抹净拍拍屁股走人的傲慢上司，审视身材的评审，骚扰的邻居和最后晚会上的一群老白男，这些男人组成了电影中的剥削势力，凝视、性化和衰老恐惧。

Sparkle的自我毁灭不是从Sue透支时间开始，当她完全顺从他们的规则，愿意注射物质来创造一个年轻的自己继续被剥削时，她贬低自我的服从就已经走向完全的毁灭。

没有什么，比一个让你恨自己不能满足他们的驯服环境更恐怖。

电影的结局，Sue铤而走险给自己注射物质，她蜕下了自己的皮囊，露出一个扭曲怪物的样子。

Sue跌跌撞撞的去参与自己人生中最重要的晚会，当然一切都完蛋了。

她被叫做怪物，被打爆了头，她什么也没做，但却被不停伤害。

聚光灯下，Sue可怜地说着It‘s me。

玛格丽特·库里对这一幕解释是这是Sue最纯洁、最真挚的一刻，她卸掉了伪装，袒露真正的自己。

但人们热爱的是虚假的人，他们开始伤害Sue。

Sue把鲜血撒向观众席，这也是她对世界的控诉。

最后Sue的身体土崩瓦解爆炸了，她背上Sparkle的脸居然还活着，她吃力地爬向自己在星光大道的那颗开裂的星星。

幻觉中她再次星光璀璨，年老的自己开心地笑着，Sparkle则在这种幸福中彻底瓦解了。

在自毁旅途的终点，导演让Sparkle和Sue组成MONSTER Elisabeth，恨与爱相融，拥抱自我，选择自爱。

不过结局本质是残酷的，第二天Sparkle的遗骸被清洁工一扫而光，裂开的星星依然闪耀，似乎什么也没发生。

就像原版《非礼勿言》一样，《某种物质》的结局是个恐怖寓言，周而复始的剥削和难得一见的自爱。

今年的女性主义恐怖电影不在少数，《玛克辛》《恶魔之浴》等等都表现不错，从女性主义的迭代、同妻婚姻之苦再到该片的自爱反抗，很是丰富精彩。

谈完剧情，还有两点是要谈谈的，首先是电影剧情外的东西。

肉体恐怖的效果可以说是非常出色，虽然没有传说的震撼，但异形契约一样的背部生产和最后的MONSTER Elisabeth还是足够亮眼。

导演为该片选择了大量的实物特效，MONSTER Elisabeth就像大号的篮子里的恶魔。

破背而出的场面，也是背部假体保证真实，爆头的场面复古真实感十足，《异形：夺命舰》让我情有独钟就是实物特效实打实般的真实感，《某种物质》在这方面表现很是完美。

分裂时的眼球爆炸般分裂也实在是太精彩了，足够密恐和恶心，我太爱了。

不过，该片的整体效果其实也没到营销号吹得那么夸张。

慢镜头与特写的使用放大了角色身上的丑陋可怖，像是Harvey吃饭的桥段，把他所代表的剥削者的贪婪恶心给具象化，Sparkle她们就是那碗虾，被剥皮蚕食，被吃干抹净后便被剥削者随意抛弃，没有一丝话语权。

Sue踢死Sparkle的慢镜头，让其对自我的仇恨达到高潮。

浴室里俯视提升的镜头绝对是电影中让人眼前一亮的画面，收紧的墙壁无尽的深渊，体现Sparkle此时的绝望。

电影的很多场景设计相当超现实，比如闪灵风的电视台走廊和取药的白色房间，渲染了足够诡异的氛围，也符合电影自由不羁的逻辑，像是Sue诞生后有条不紊的收拾和没身份信息怎么混娱乐圈，导演都选择不做答，只服务于主题。

该片也延续了导演首作《复仇战姬》的血腥和迷幻，电子配乐的紧张和恐慌感依旧奏效，另外Sue还带了和复仇战姬女主珍一样的星星耳坠。

在最后，要谈的是个很争议的问题——反男凝和男凝。

其实这个问题在《金发美人》的时候就出现过，如果你拍摄男凝桥段甚至夸张化，但目的是通过这种内容反男凝，那这到底是不是男凝。

《某种物质》中玛格丽特·库里的全裸登场，健美操时各种极端夸张的私密处特写，这100%是导演故意而为之，毕竟这些镜头中的身材就是电影中剥削最在乎的东西之一。

用剥削反剥削，用男凝反男凝。

说实话，战争片我们都希望能看到残酷的现场，去反映战争的惨烈和恐怖，达到反战的效果。

但电影拍的战争终究是假的，剥削怎么拍它都是真的。

在我个人看来，《某种物质》确实剥削的有点疯狂了，但主题倒依然是反剥削的。

10.2 之前看到很多人在提该片和1988年的《永生劫难》Rejuvenatrix极为相似，所以抽空补了一下，不过片子和中字都够难找的。

《永生劫难》的故事毫无疑问也是返老还童，女主Elizabeth Warren曾经是位叱咤风云的美丽女星，如今年老色衰，徒留家财也难掩自己衰老的悲哀。

所以她资助了Dr. Gregory Ashton，让他研究返老还童的血清。

血清是成功的，通过手术与血清注射，Elizabeth重拾青春。

但血清不是永久的，每次血清失效后Elizabeth都会变成怪物，想要再变回来就要不停注射更多剂量的血清。

而这种血清，是Dr. Gregory Ashton在人脑中提取的。

非法搞来的尸体已经满足不了二人的需求，活人的大脑才足够新鲜。

其实就女主打药是两部电影最接近的部分，《永生劫难》的主视角是男主角Dr. Gregory，Elizabeth并没有被剥削的设计，电影从恐怖实验逐渐发展为怪物杀人电影。

《某种物质》的女主也是名为Elizabeth，应该是有些致敬的意味？

但两部电影的主题和故事结构是相差非常之大的。

有一段时间，每次看到桌子上散乱的化妆品，我都感到恶心。

当这些化妆品精巧地踩到我脸上，镜子里那个形象也让我恶心。

但是赤裸着脸时，镜头定格那一瞬间的躲闪，同样让我恶心。

似乎永远有某种物质，让你不完全是你。

永远能买到某种物质，让你在奖赏和中伤的煤气灯下，定格那个咧开嘴笑的光明的瞬间。

在眼球上覆盖塑料片。

在嘴唇上涂抹防腐剂。

用铁丝勒住胸前的腺体。

用激光将毛囊连根拔起。

灼烧自己的头发。

打磨自己的指甲。

抠自己的食道。

割自己的骨头。

踩着针走路。

蒙着布出门。

服用。

涂抹。

你是自己的弗兰肯斯坦。

什么是药物滥用？

通过化学制品改造自己的身体，使其达到一种非自然状态，并产生强烈的依赖无法自主停止，这是药物滥用。

那么美容产业则无限接近于一场资本推动的大型overdose。

萨克勒家族将成瘾的奥施康定包装得无害且随处可得，站在五十万条生命之上，打造自己的“疼痛帝国”。

那么谁是美容暴行中的萨克勒？

谁站在一半人口的自我厌恶之上，打造自己的“情色帝国”？

谁把女人的身体变成她们自己的邪典，每天在镜子里反复观看的恐怖片？

女身邪典是一种向内的自我折磨，数十年的压抑，毫不留情的暴力。

她用于自我改造的强烈生命力，但凡有一个出口向外释放，就会像血浆一样四处喷溅，覆盖所有观众的脸，无一幸免。

但在座哪位观众又有自信说，自己的眼睛从没有被“完美女身”的血浆所覆盖过？

巨大的显示屏，活虾一样的肉体，晃动的小广告，病毒一样的链接。

所有人的眼睛都被蒙上了血红色的女人味。

所有人。

以至于女身邪典成为一种再熟悉不过的恐怖，以至于在极致的血腥中反而回归到一种平静。

真正的恐怖是，一个年过半百的女人，富有，健康，唯一的想象力是回去跳健美操，唯一的梦想是在联欢晚会上穿蓬蓬裙，我以为小学四年级后就没有人还在做这个梦。

但当然有，即使不能在联欢晚会上穿蓬蓬裙，也要在自己的婚礼。

虽然没怎么看过身体恐怖片，也对当下女性被凝视的议题没有太多的研究，在LR不是很扎实的基础上，个人觉得这个片子拍得挺好的，故事情节很简单，女主就是想要一个better version of herself呗，然后回不去了，闹大了，最后血洗全场（很嘉丽，赞）。

如果只关注里面的逻辑硬伤，比如为什么她俩不share记忆、体感，女主图啥，之类的，那真的硬伤太多了，但这个影片的目的应该是诉诸视觉暴力，而不是诉诸逻辑完美。

其中视觉暴力一是指美得惊艳、丑得恶心的这种强烈对比，二是指视觉感官的冲击本身就是目的，通过这种目的，激发出什么样的情感，那就是仁者见仁的事情了。

之前波米说过这片子在2024年的戛纳算叫得上号的是因为2024年的戛纳实在是乏善可陈，我觉得可能之前有太多优秀的身体恐怖片和诉诸女性被凝视的片子了，我自己看得少，波米的感受大概率是公允的，但这片子在这个乏善可陈的当下，直指了美、虚荣、空虚、性、性别、消费主义、女性主义、身体剥削等所谓“议题”，本身就已经很“可陈”了，它这么不完美，却还提供了这么丰富的讨论，这一点本身难道不是很赞么？

PS：作为女性，觉得两位女主真的都太漂亮了，Demi的江湖地位就不用说了， Margaret真的是美得惊艳（当然也是拜服化道和剧情的设计）。

把这么两个美人儿撕裂了给你看，值啊。

图谋一雄的《洗礼》早在三十年前就写好了剧本。

针头长又硬象征阳具但很细。

制片见新人时镜头男性胯下仰拍女主。

开头几分钟讲完剧情，五角星红色带子代表女主工作场景，红色走廊框式海报和框式图案地毯，五角星一直被男性围剿和禁锢，番茄酱代表结尾血腥，女主出场俯拍代表活不到最后，很学院派很规范。

五角星，资本不允许符号变老，但人不是符号。

广角拍男性上厕所给人的不适感，头填充了整个屏幕，这个头暗指了那个头，是阳具在说话，在发号施令。

女主家中陈设只有大照片和奖杯没有家人没有品味，习惯炫耀渴望崇拜，没有内心的幸福感，只能向外所求，这些都是她注射某种物质的动机。

分身从后背出来暗示束腰的枷锁，对传统父权的反抗，束腰是女仆从后背勒紧，凸显女性身材换气男性欲望，行动和饮食受限，甚至无法偷情。

但约会时候自己拉上后背拉链的时候暗示当代女性的困境，不靠男人的独立女性重又将自己锁闭。

拉康认为语言法律文化观念是体现无意识为大他者的话语。

大他者在政治上是父权，在文化上是习俗，大他者是集体无意识。

无形的外部力量是无意识，是我在我不思处，颠覆了我思故我在。

厌女，男凝，景观，无意识，异化，大他者。

《某种物质》是法国导演科拉莉·法尔的第二部长片。

在其之前的职业生涯中，她做过一些短片，且参与过一些电视节目的导演工作，直到2017年她才拍了的第一部电影长片《复仇战姬》，斩获了众多独立电影节的奖项。

这是一部类似于《杀死比尔》的复仇片，讲述了一个被性侵杀害的女性，如何在沙漠中对三个男人展开复仇的故事（这么说来想起今年的另一部电影《疯狂的麦克斯：狂暴女神》）。

法尔雅展现了“一个很弱的女人如何反杀成为超级英雄”。

《复仇战姬》的制作完成度极高，但剧本稍显薄弱，人物亦有扁平之嫌，滥用典型“男性凝视”镜头到了让人无法分辨其是否仍具有讽刺意味的程度——这些问题都或多或少延续到了《某种物质》中，尽管后者更飞、更大胆、更精彩刺激。

在观影前了解到这是一部body horror（身体恐怖片）后，与许多观众一样，我也自然地将其跟2021年的金棕榈《钛》联系在了一起。

果不其然，画面暴力、血腥、惊世骇俗。

在彼时一众温吞的主竞赛作品中足以引爆话题，很多人认为它将拿一个大奖。

《复仇战姬》

科拉莉·法尔雅领取最佳剧本奖法尔雅曾将柯南伯格、约翰·卡朋特、大卫·林奇和哈内克列为对自己影响比较大的几位影人。

《某种物质》中确实处处可见美国邪典电影的影响：卡朋特《怪形》式的美术、《魔女嘉莉》的舞台、水管喷人与浴室洗澡镜头、《梦之安魂曲》的剪辑方式与梦境过渡等等。

于是在视觉上，无论是body还是horror方面似乎都缺乏一些新意，对于阈值高、看过较多邪典电影的观众来说会有小巫见大巫的感觉。

《怪形》

《魔女嘉莉》其次，剧作中有根植于经典好莱坞电影的脉络：我们见识过《日落大道》中过气女明星的黑暗挣扎，也感叹过《彗星美人》里老明星的谢幕与她全方位入侵的替身；另外，日本电影《狼狈》中的模特女主角同样在对美的执着中迎来肉身的溃烂：这是一个关于娱乐行业代代更替的老故事，永远有新的女孩，且必须是女孩，觊觎大明星的头把交椅——因为女孩们是被凝视的对象。

《彗星美人》上个世纪八九十年代邪典的电影和好莱坞背景赋予了《某种物质》无形的怀旧感；同时它呈现的显然也不是当下的生活：电视传媒的兴盛、U盘还有暴露年龄的”Pump It Up”系列，都指向了21世纪的初期；刻意塑料感的视觉设计和“The Substance”的商品本质也将故事和曾经风靡的消费主义话题联系在了一起。

Pump It Up, 千禧健身塑形文化的代表，被艳羡的迷人肉体即便这个故事似乎缺乏新意，最终《某种物质》拿到的竟然是最佳剧本奖——这是我个人较难认同的奖项。

原因首先在于剧作核心的处理：通过注射叫“The Substance”的科技产品，你可以从自身分裂出一个更好更年轻的你。

这个设定的呈现的人物关系上，导演错失了一个深度挖掘同性关系的机会：两个脸谱化的女主角只是在物理上有些不得已的牵连罢了，甚至可以直接抹去本体论的怀疑与思考。

她们显然只是两个彻底不同的、恶意竞争的女性，从来不像产品警示的那样“是一体的”，因为她们无法拥有对方成熟的经验，也无法分享对方年轻的荣耀。

但即便如此，女主竟依然难以自制地注射这个产品——倘若她真的是不顾“自己”的湮灭也要做美的殉道者，故事开头注射产品寻找更好的“自己”的企图也就不成立了。

对此，我只能理解为类似药物成瘾的机制，就像《梦之安魂曲》中展现的那样。

在这种剧本设定先天不足的情况下，那句“你们是一体的”自然无法唤醒女性共同体的意识，也无法让角色真正联结，仅剩下无计可施的悲观宿命。

《梦之安魂曲》

《某种物质》对《某种物质》的众多争议最终集中在了一点：电影究竟是对女性无下限的剥削，还是对凝视的反叛？

（这里暂时不讨论“暴力”与“观看”的伦理和该话题长久以来的争议，否则势必先把库布里克、哈内克等老祖都先拉出来理论一番。

）对于这个有些模棱两可的问题，我个人倾向于站在后方：我最喜欢《某种物质》的一点，便是它以震慑人心的狂暴姿态“反男凝”的立场。

Body horror是最适合同性别命题相关联的电影类型之一了：一方面，body在视觉文化中是分离于女性的意识并被物化的，是女性的horror；另一方面，导演则可以把被注视的body，变成horror。

前半段电影情节中，一个男性角色用于讽刺女性外貌的一句“至少她的器官都长在了正确的位置上”，在电影最后遭到了狂躁的反叛：你喜欢看胸，那我让它从眼眶里掉出来给你看；你喜欢看女人，那我逼你着看她拔掉自己的牙齿。

法尔雅将“被凝视之物”，变成彻底血淋淋的“不可凝视之物”，在同样的镜头中女体变为凝视者的噩——倘若物化是合理的、摄影机是中立的，它自然应当同样正视以两种不同的极端形式被物化的器官。

令人两难的是，这一翻盘确实在电影前半部分大量的凝视镜头轰炸之后再进行。

经典油腻的身体特写body pan与ASMR，两位女主角也千真万确先赤身裸体做了一个多小时镜头的玩物——这里供观众“凝视”的一小时，并不会比“反凝视”的一小时短，它们在荧幕上有一样的时空质量。

在过度的顺迎以后，讽刺极其容易失效，也将更加难以说服观众。

法尔雅的做法类似于先展现出反面，随后反证这一切的荒唐。

但是，其实讨论一个问题，我们从来也可以选择直接展现正面。

即便在类似“先反面后拨正”的结构下，同样是女性面对美和聚光灯的诱惑相残，我们可以联想到范霍文的《艳舞女郎》，其前半部分同样足够残忍、足够剥削，但最终女性的团结复仇与和解，使得传达的信息更为明确；在《某种物质》中，关于性别关系的呈现却滞留在空中，最终的一个镜头，仍然回归到女主角对美貌名利的痴迷以及肉身的虚无。

#二刷#18092024 #ICA 二刷仍然深刻的感觉影片是以解构劳拉穆尔维的视觉快感理论框架创作的，主题是解构该理论进行性别权力结构的反思和对于自恋是认同和男性凝视的批判。

大量的鱼眼镜头和俯拍极强的放大了男性权力的压迫，特写镜头强调男性的丑陋，也是在自恋式认同方面让男性无法代入片中的男性同时也弱化了男性的主体性。

对于男性凝视上，传统意义的女性的存在更多是为了满足男性观众的视觉快感，但影片则是以放大的特写来展现，搭配大量的摄影机镜头则是非常明显的讽刺和批判，结尾处更是以一个“怪物”大喊“这还是我！

”的形象来反击这种凝视，也是对其的批判，仿佛直接“骂着”场下的的观众。

这次还注意到了构图，几次洗澡时的拍摄角度很明显的在递进那种压抑的清晰，从开始的侧拍，到俯拍，再到最后四面封闭的俯拍后拉。

还有女主在厨房时由墙壁分割出她的画像与户外场景的构图，由开场的她的画像到户外空空如也展现她在掌控，到后期户外Sue的海报对照室内消失的画像也是预示着“迭代”。

听觉上的嗡鸣声和玻璃环境音的处理对于呈现内心的真实情感太有帮助了，同时还有对于男性语言和行为声音的放大，走路的鞋底生，吃饭的咀嚼声，凝视的批判声都进行了多次重复的呈现，同样也依然为结尾那段高潮戏的《查拉图斯特拉如是说》所震撼，那真是赤裸裸的批判，展示了一个超人。

影片中一直强调只有一个“自己”，一刷是以自我本我超我的弗洛伊德理论和雌竞的反思，但二刷之后不禁思考，这是真的么？

当两个人追逐时，我们知道Sue诞生于她，但并不全是她，如其中所说她是Matrix，他们的眼睛颜色不同，他们也不共享记忆，特意查了一下，“Matrix”一词源自拉丁文“mater”，意思是“母亲”，其原始含义是“子宫”或“母体”，因此“Matrix”本身就带有孕育和包容的象征意义，他们的交替，只是由年老的哺育年少的，也更加明显的表现了以服务他者的弑母女性的结局，感觉整体还是有很强的自省性和反思的。

但从另一个方向思考，Sue不光继承了她的欲望，也是同样作为一种期望的继承。

小细节和致敬，这次补充两次躺到床上都是致敬《美国丽人》，那真是一部男性凝视框架下带有极强的自恋是认同的影片。

《闪灵》中的房间更是有很强的父权制的支配欲望的隐喻，放在片中再合适不过，当你走进那个通道，看到自己的照片时，那照片恰恰是他者凝视下的集中呈现。

最开始Sue的星星耳环和几次“浴火重生也是源于导演的前作《复仇战姬》。

去BFI做QA的Demi

#一刷#29082024 #Odeon#Frightfest 目前今年最佳的剧情片，非常震撼，看完她上一部电影就在想她影片中的思考，看完这部电影后更加感觉导演的电影跟劳拉的视觉快感理论有很大的关系，前作的《复仇战姬》涉及到女性复仇与权力重构，以此逆转传统的性别权力关系，通过复仇或反抗的方式重新掌握了叙事的主导权，也变相挑战了男性主导的视觉快感，而本片则是带有极强的讽刺与自我反思，利用故意利用和夸大“男性凝视”来揭示其荒谬性（最直接让我联想到的片子就是《金发梦露》），片中所有男性角色的设计都带有明显的讽刺和批判，对于女主的呈现与其说凝视或反凝视，不如说是一种对于现代自我凝视下的反思。

角色上，两个角色是非常明显的源于弗洛伊德理论中的“本我”与“自我”的设定，年长者作为“自我”呈现的是现实需求，自傲与“社会”的“自我实现”，而年轻者作为本我遵循快乐原则，不考虑后果的遵循最原始的欲望，抛开理论看电影本身其中的社会学讨论也很直接，容貌焦虑和雌竞的呈现也是很直白的表达导演的观点。

视觉上，依然是沿袭之前的风格，高饱和度的色彩对于欲望的呈现效果非常好，大量的特写镜头则是多用于展现凝视效果，鱼眼镜头非常多，用于呈现男性角色的扭曲状态，带有很强的反思性，大量俯拍呈现的受控状态，还有随着精神状态越来越不稳定的手持的抖动浮动的调整。

电影构图也蛮蛮考究的，很喜欢对称构图和远景渺小的角色呈现。

其实对于血腥场景的呈现没有想象的那么强，但是效果很好，尤其是结尾处的血浆喷洒更是把前作升级了。

听觉上，依然是她前作的风格，大量的强节奏的音乐，最震撼的一幕来自于第三代女主登场时，讽刺感直接拉满。

影片中的致敬还是挺多的，最震撼的一幕肯定是《2001太空漫游》中使用的《查拉图斯特拉如是说》的配乐，感觉不像是致敬，而是带有一种讽刺的感觉，身体穿越的部分的光影也是明显带有《2001》的视觉呈现，两个角色的置换时摊开手掌和Matrix也是直接致敬《黑客帝国》，变异怪物则是与《变蝇人》怪物有着同样的质感，结尾的爬行头颅则是明显来自于《怪形》。

电影橙色的环境很有《闪灵》的环境的呈现，结尾处逃出的时候也是有着“电梯涌出献鲜血”那一幕的质感，而自我被本我大量吸食那部分的拉远呈现则是有着《逃出绝命镇》意识脱离身体掌控的呈现，影片的整个故事让我想起了《整容液》（被网友纠正不是伊藤润二的），也是同样对于美的追求来展现外貌焦虑，也是同样的自我毁灭作为结局。