不要再见啊，鱼花塘

在观看这部电影的间隙我有短暂的睡着，导致那段影像和我恍恍惚惚的梦境有过一段不分虚实的重叠，是一种奇妙而不可言说的体验。

整部电影的画质透露着90年代浓重而陈旧的粗糙颗粒感，挂在阳台上的CD影碟反射到屋内白墙上形成点点光斑，一年前过世的爷爷坐在沙发上静静观看他喜欢的电视节目，窗外的阳光明媚刺目，时间安详而静止。

女主叶子恍惚了一下再转过头去，思绪终于回归到现实，狂风骤起，暴雨将至。

很多时候我们不相信一个人早已离开，于是“鱼花塘”出现。

神秘的鱼花塘收留无家可归的“人”——无论是由于各种缘故导致无处可去的小妖精，还是徘徊在人间久久不愿离去的亲人。

类似这样的地方可能会存在于很多人童年的记忆中，或是大人为了管教而吓唬小孩的说辞，或是一些都市传说，亦或是自己内心的某种期待。

总要有这么一个地方，承载孩童天真的好奇心。

这部电影情绪颇多，导演对于童年记忆碎片的细腻捕捉容易让人产生共情。

整个故事结构被打碎后重新拼凑，鱼花塘的妖精牵着叶子的手，从真实的生活走进诡异虚幻的另一维度空间，重塑了回忆的质感。

昏昏欲睡的午后，似乎被某种神秘力量控制着的、停摆了的老式挂钟，逐渐失去时间感知力、喜欢看闯关节目的奶奶，变成大灰狼在深夜与叶子告别的爷爷。

或许你会感知到这种混乱中的有序——那些似曾相识的场景或是感受，早已触碰不到却知道那些零散情绪曾经真实存在，他们被你典当给了悠长岁月与成长，此刻被陌生人赎回。

成长即是交换。

走出电影院的时候夜色已深，感觉仿佛是做了很久的梦，我从梦境中走出来，回头只看见五岁的自己手里握着糖葫芦，被姥爷背在背上，渐行渐远。

很多七八十年代的老歌听起来机具回忆感，会让我想起儿时的事情。

看电影的时候就会联想到自己了。

后来长大后，看到很多大妈再社区跳舞时，也会放这些怀旧金曲。

和同学聊起这个话题，他们却不理解，觉得我不时尚而且老气横秋。

之后我便很少和同龄人聊这个话题了。

现在，能从这部电影中听到这些曾经我喜欢却得不到身边人认可的旋律，感觉我的青春似乎才刚刚开始。

#TGC 全表达作品，感觉藏着一些可能会更好，映后嘉宾有说影片整体非常像阿彼察邦，只是性别议题上似乎略有不同，而影片给我的感觉不光是像阿彼察邦，更是像我去年看的一部罗伯特奥特曼的电影《三女性》，不过对比于《三》以弗洛伊德式的梦境对于社会，阶级，男性的嘲讽，本片整体的动因更加私密一些（其中梦境，宿命，女性，绘画等几个部分都有重合度），以两位女性的梦境交织出了一幅私密画卷，导演在QA中有人提及了影片与她的经历有关，但也并不完全相同。

视听上，感觉非常成熟。

镜头运动很棒，构图的压抑感结合那接近恐怖片的音效还是非常契合主题的。

整体的镜头运动倒是非常像映后提及的侯孝贤，环绕长镜头处理的非常棒，尤其是以光线变化展现出的时间变化。

梦境部分的呈现也挺不错的，尤其是多个梦交织出现，不过以两代人的梦境没有特别模糊，过于清晰，但与现实的处理倒是很不错。

阳光明媚有种导演所说“清醒梦”的质感，影片中不光导演的声音出现在了电影中，其实还有一幕在镜子反射中出现的制作团队，不过听了导演QA所做的预设也大概理解了这么做的用意。

不太喜欢的部分就是前面提到的不同人的梦境模糊感太弱了，略显刻意的台词有些尴尬和有些翻译似乎有很大的问题（不知道这个版本是谁翻译的，我很合理的怀疑是个广东人，因为开场没多久出现的方言所说的20xx我听不太懂，但发音非常像2013，但1在粤语中是贴近2这个发音，于是我就在字幕上看到2023这个年份，在之后似乎就没出现过，但让在开场本来信息就不多的情况下看不同时间线的我变得更加迷糊了）。

（导演说她拍之前没看过阿彼察邦，还挺想知道是哪部电影影响了她的创作的）

同样都是千禧年代，对于九零后和零零后来说也是不同的。

娄烨拍的的八零后九零后的千玺，那种充满生命力但又迷茫的青年时期，朝气蓬勃又沉默忧郁，千玺是我们的童年，一切都是模糊的，童真的幻想。

世界都是陌生好奇，高大，我的回忆里都是用一个低矮的儿童视角来观察世界。

江油、绵竹、绵阳、轻工厅，这些地方永远都是我童年的样子了。

我的肆意被溺爱的童年时光在我六岁那年就戛然而止了，妹妹的突然出生，让我的身份从家里的唯一女儿变成了姐姐，我就只是姐姐了，明明我也才六岁，我总觉得我实在很大了，看到当时和妹妹幼儿园的小孩一起去春游的照片，我总觉得那个时候我的年龄差距是一种羞耻，我都这么大了怎么还能坐摇摇车呢，怎么还能玩那些玩具呢，看了照片后发现，我也只是一个小孩子啊。

6-12实在是太痛苦了，我万幸我的性格没有变得扭曲，一个家庭永远都是围着新生儿转的，她最宝贵、最伟大，我要让着她。

但是我好珍惜我的童年啊，那些再也回不去的瞬间，随着我的成长越来越模糊的记忆，我好像一闭眼就回到那个年代再看看，我怎么就变成这么大的大人了，我从来没想过。

在小学、初中，我最喜欢想象的未来就是在高中班里学习的模样，大学怎么样，我实在不敢想象了，但是现在我已经快要把大学时代过完了，我已经早就是个大人了。

每次回到绵阳，我就觉得我还是个小孩子。

🎬《不要再见啊，鱼花塘》导演交流放映看完电影后我脑子里一直有两种想法的冲撞，当然，这无关视听语言、拍摄剪辑手法等等专业的电影赏析角度。

一、这是一部导演非常私人化的电影，非常注重自己内心的表达。

我非常非常喜欢影片大量的光影表达（树干、树枝🌿、窗子、窗帘映射在白墙上的光影)还有风，一阵一阵的不明缘由的风。

会让我想起和奶奶住的老屋房后小杨树的树叶被风吹拂的沙沙声音……还有老歌，《渔家女》《请你留下来》，总能让我想起奶奶哼着老歌带着花镜缝被子的飞雪的冬天…….还有环境音，如果你经常在午后睡觉，就会深有同感，总是觉得那时候自己的听觉异常灵敏，总能让我想到童年时扇着扇子赶着蚊子昏昏欲睡的夏天午后，仿佛能听见一里地以外的汽车鸣笛声。

还有电影里钟的声音，会让我想起童年时家里整点会报时的那种每一秒都掷地有声的钟。

还有也许每个奶奶都会讲的鬼怪蛇身故事…….总之，青年导演这种由对爷爷奶奶的爱而引发的记录，这件事情本身就值得尊重。

就像《秋园》的作者写她的母亲，如果她不记录，这样普通人的一生就会消失在历史的尘埃之中，永远不会被记得。

二、就该说说我个人不太喜欢的地方了哈哈去看之前，我简单看了下简介，是带着中国版《寻梦环游记》的小小期待去看的。

结果就是，它不是。

导演说，“祈盼鱼花塘能点亮更多的角落。

”就个人观察到的而言，有点难。

电影开场，是几百人满座，电影结束交流之前开始陆续不断的退场，说明共鸣的内核理念有，但看完后剩下的不多。

整部影片有一些地方感觉有毕赣的影子，就像大叶子看到已经过世的爷爷、黑鱼、马戏团的黑熊等这些超现实画面，有点像《路边野餐》那个长镜头里，陈升经过了过去和未来。

但我认为两者的区别是，情感的浓度表达不同，在《路边野餐》里，我能看到老医生和年轻时的爱人、陈升和妻子的爱情，能看到亲情，有很多情节推动，串起被打碎的时空，可以拼接出一个完整的让人感动的故事。

而鱼花塘，过于自我意识的表达，进入情节的缓慢（不出意外，你前二十分钟是看不懂讲啥的，感觉像是一个个散镜头的拼接）对于细节的情感浓度把握，还有就算是艺术电影也需要的故事、情节推动，这些方面我个人觉得都有不完美。

当然，这片鱼花塘就算能点亮一个角落也是有意义的。

这一点不可否认。

“正常人”产生于对于“精神病”这个概念的建构，其二者的区分则在于各种因素所导致的认知方式的显著的极端的不同。

而在生活中，我们与他人的相处都不过是一场对于自我的指认，对方成为我们的“他者”。

而艺术（尤其是小说与电影）最重要的意义便是提供给我一条解决将他人“他者化”的理解、体察之路，在电影中获得不同的认知方式，从而消解来自于“他者化”的偏见。

而对于所谓精神病的描述、拍摄、写作则是这一点最为突出的体现。

其中对于存在中的时间与空间的误认则是最为“病态”同时也是最为诗意的形态。

《不要再见啊，鱼花塘》以钟表为核心的线形时间时态不过是一种时间经验方式，片中将歌舞（当然镜头和剪辑亦然）以某种蔡明亮的方式进行使用，在趋于缓慢的同时，将时间凝结成块，同时记忆也随之凝结。

《洞》蔡明亮

听说是回忆和爷爷奶奶一起度过的童年生活的电影，就去看了。

电影院前台没有人，检票也没有人，自己取票，自己刷码进场，自己看完了电影，因为只卖出了一张票所以自动包场了。

看完了之后非常懵，有点困，感觉不是太能欣赏得来这部电影。

确实是回忆童年生活，但同时有四个时间相互交织：2020年导演在和奶奶拍电影的时间，2013年电影中叶子22岁爷爷去世不久的时间，爷爷奶奶年轻时的时间，和妖怪们生活的虚幻不存在的时间。

所有时间的片段相互交错出现，都聚集在鱼花塘周围的空间，而念白很难理解。

出现了很多老物件，有些年代感的生活方式，和小学文艺汇演般的妖怪歌舞。

虽然某些片段中确实被感动了，猜到了一些电影想表达的意思，但还是一直在等一个导演把一切解释清楚、情绪也能尽情发泄的点。

结果导演并没有安排这样的情节，电影保持比较一致的风格直到结尾，只是轻飘飘地说了一句“这场梦终于要结束了”。

而且由于我预先看了影评的缘故，已经预料到前后的时间、人物有一些对应，导致最后能看懂的东西其实一眼就懂了，没看懂的仍然到影片结束也没懂，甚至包括片中有导演讲话这点都是靠英文字幕才看懂的。

或许这就是艺术吧，可惜我只是普通观众。

对我来说，《妈妈！

》那样直接、现实的感人作品要好得多。

🎬《不要再见啊，鱼花塘》导演交流放映看完电影后我脑子里一直有两种想法的冲撞，当然，这无关视听语言、拍摄剪辑手法等等专业的电影赏析角度。

一、这是一部导演非常私人化的电影，非常注重自己内心的表达。

我非常非常喜欢影片大量的光影表达（树干、树枝🌿、窗子、窗帘映射在白墙上的光影)还有风，一阵一阵的不明缘由的风。

会让我想起和奶奶住的老屋房后小杨树的树叶被风吹拂的沙沙声音……还有老歌，《渔家女》《请你留下来》，总能让我想起奶奶哼着老歌带着花镜缝被子的飞雪的冬天…….还有环境音，如果你经常在午后睡觉，就会深有同感，总是觉得那时候自己的听觉异常灵敏，总能让我想到童年时扇着扇子赶着蚊子昏昏欲睡的夏天午后，仿佛能听见一里地以外的汽车鸣笛声。

还有电影里钟的声音，会让我想起童年时家里整点会报时的那种每一秒都掷地有声的钟。

还有也许每个奶奶都会讲的鬼怪蛇身故事…….总之，青年导演这种由对爷爷奶奶的爱而引发的记录，这件事情本身就值得尊重。

就像《秋园》的作者写她的母亲，如果她不记录，这样普通人的一生就会消失在历史的尘埃之中，永远不会被记得。

二、就该说说我个人不太喜欢的地方了哈哈去看之前，我简单看了下简介，是带着中国版《寻梦环游记》的小小期待去看的。

结果就是，它不是。

导演说，“祈盼鱼花塘能点亮更多的角落。

”就个人观察到的而言，有点难。

电影开场，是几百人满座，电影结束交流之前开始陆续不断的退场，说明共鸣的内核理念有，但看完后剩下的不多。

整部影片有一些地方感觉有毕赣的影子，就像大叶子看到已经过世的爷爷、黑鱼、马戏团的黑熊等这些超现实画面，有点像《路边野餐》那个长镜头里，陈升经过了过去和未来。

但我认为两者的区别是，情感的浓度表达不同，在《路边野餐》里，我能看到老医生和年轻时的爱人、陈升和妻子的爱情，能看到亲情，有很多情节推动，串起被打碎的时空，可以拼接出一个完整的让人感动的故事。

而鱼花塘，过于自我意识的表达，进入情节的缓慢（不出意外，你前二十分钟是看不懂讲啥的，感觉像是一个个散镜头的拼接）对于细节的情感浓度把握，还有就算是艺术电影也需要的故事、情节推动，这些方面我个人觉得都有不完美。

当然，这片鱼花塘就算能点亮一个角落也是有意义的。

这一点不可否认。

看完之后 散步回家 在回来的路上 平时夜晚比较吓人的路都感觉充满了童趣 一切都好像特别可爱和明朗。

最终促使我来看这部电影的因素 还是因为爷爷在前几天的去世 我感觉确实有股无形的力量在推动着我来 可能真的神了 今天来参加放映的观众 都有爷爷奶奶推着我们来 可能我的爷爷真就在和我一起观影 我们确实一直都在讨论生死这个巨大的话题 亲人的离世我们总是免不了难过伤心 也害怕去面对 但是死亡这个话题 我知道 是每个人都必须要面对的 导演给出的答案就是亲人会一直在你身边。

导演是个爱笑的女孩 爱笑的女孩运气一定不会差！

导演说到合肥这座城市的特点就是 人们的休闲就是发呆 在观影过程中也感觉到影片中把生活用艺术的表达出来非常好。

映后主持人说似乎还没看到把长沙质感拍出来的电影 确实比较遗憾 但是也给了我一种想要表达的冲动 这部电影还挺给我力量的 给了我一种从另一个角度来进行表达的思路。

包括今天看的CODA 真的越来越觉得电影的真诚表达很重要了。

电影中真诚的一些情感流露 不做作 却有打动人心使人共鸣的力量。

最后夸一下影片的美术和灯光 画面简直太梦幻了 光影的运用很梦幻。

青年电影人 加油。

在第16届FIRST影展上，牛小雨的首部长片《不要再见啊，鱼花塘》备受关注，一举获得主竞赛单元“一种立场”奖项，与“第一帧”年度影像荣誉。

颁奖礼上，她说：“对我来说，电影是一个相聚的盛会，我拍电影便是想和所有爱我的、我爱的人永远在一起，所以我希望将这部影片带到每一位观众面前——不要再见啊，我们永远在一起吧。

”那些用梦编织起来的影像，来自于牛小雨最真实、最私密的生命体验，如果你有机会进入到她的脑海，也许会发现，那里和她的电影一样，绚丽，斑斓。

电影于11月25日全国上映，此前还入围并提名第74届洛迦诺国际电影节，并在海内外电影节收获一众好评。

牛小雨在两三岁的时候就来到爷爷奶奶家生活，奶奶会给她讲形形色色的鬼怪故事，不只是以传说的口吻，而是把这些轶事安放在她生活的周围——离他们住处50米的地方出现了一副什么样的景象，谁家闹了狐妖、黄大仙……时间、地点、人物都太具体，以至于她经常能碰见奶奶故事里说的那个人，却不好意思走上前去求证。

从小在这样的环境下耳濡目染，牛小雨也成了远近闻名的“鬼扯大王”。

直到上大学，她还骗一帮朋友说自己是外星人，她所在的那颗星球的名字翻译过来叫“阿姨花”。

谎话编了一个学期，大家竟然都相信了。

围绕整个童年时代，牛小雨最爱和爷爷奶奶一起做的事，就是去逛鱼花塘。

她的学校就在鱼花塘边上，爷爷经常会骑车带她，绕着环城公园游览一番。

鱼花塘是合肥地区都市传说的重要发源地。

池塘水深超过十米，很浑，很多人在里面淹死，到了晚上没有路灯，极其昏暗。

市政建设曾在这里花费大价钱修葺植株，就是没有安装护栏，导致一些逃逸的犯罪分子栖身于此。

牛小雨上学的时候，见到过少年少女在树下你侬我侬的场景，也遭遇过暴露狂从草堆里蹦出来的险象……在她的记忆深处，鱼花塘承载了全部的幻想。

十六七岁的时候，她考上了心目中首选的电影学院动画系，却发现自己反而对动画失去热情。

她开始看侯孝贤的电影，侯导对于身边生活的捕捉和聚焦，给了她一双完整的观看世界的眼睛。

从此，她开始回过身来，注视着这片自己大部分生命体验所系的区域。

牛小雨很爱做梦，醒来之后还会记，虽然很难原封不动地把梦境叙述出来，但她尽力留住做梦时的感受，然后再去思考逻辑，翻译成视听的方式。

如果在午后睡觉，很容易做多重梦境的梦。

梦的层数越多，时间的流逝越会慢下来，叠加，扭曲。

她在尝试着寻找一种梦的语言，让观众也能够参与进来。

“《不要再见啊，鱼花塘》里全是梦，没有真实世界”，牛小雨如是说。

从第一个人物镜头开始，奶奶在织毛衣，风吹起帘子，已经过世的爷爷的影子在上面行走，就已经不是现实的空间。

更早出现的漫画中，牛小雨和奶奶聊起熊孩的故事，这便是她设计的入口。

她留下了一些感知梦境结构的小线索，就包括入睡和醒来的画面。

尽管在前期筹划的时候，牛小雨对每场戏都有着清晰的设想，每层梦境中的光线、人物身份都有着独特的变化，但她还是不希望做得太过清楚与明显，最好能带给观众一种“陷入”的状态。

在她的构想中，《不要再见啊，鱼花塘》的面貌既是拼图，又是迷宫。

“拼图”的用意更好理解，手绘、歌舞、戏中戏、结尾部分睡着的大哥……这些元素的组接正是她研习实验影像三年时间所结出的果实，其新锐的语法让影片在洛迦诺电影节和FIRST影展的舞台上大放异彩。

而“迷宫”的探索初衷，则投射着她更多私人的情感体验。

牛小雨20岁的时候，小区里一位与她很亲近的老人去世，她突然意识到人真的会彻底消失掉。

在困惑与震荡的交织中，她被迫去思考死亡到底是怎么回事，想要找到一个答案。

于是她拿起摄影机，拍摄了第一部短片《鱼花塘》；2017年，爷爷过世，给她带来更为直观的冲击，她便延续了之前的讨论，拍出《青少年抑制》；长片《不要再见啊，鱼花塘》拍完至今，奶奶的身体也出现问题，每天需要住院透析。

伴随着成长，很多她深爱的人，像落叶一样飘向她触达不到的地方。

“我想让这个迷宫变得很复杂，让大家都很迷惑。

如果我们都在里面迷失，所有人都可以在这里面，大家就不用分开了。

”这部长片首作对牛小雨而言，意味着路过死亡的一个站点。

她将自己的电影比作一盏“小夜灯”，晚上起床去厕所的时候，有她这盏小灯在，就让人能够找到路，不至于摔倒，也不会害怕。

它的光可能很微弱，但会一直亮着，就像鱼花塘旁边的“眼泪灯”。

《不要再见啊，鱼花塘》在国内首次放映的前夜，牛小雨整宿都没有睡着。

试片时，她发现影厅的银幕偏暗，使得电影里许多用心设计的色彩与细节不能做到最完美的呈现。

经过一番艰难的磋商后，她终于有了更换影厅放映的机会。

“没办法，我就是强迫症，如果做不到最好，我就会觉得很别扭。

”真正放映的时候，牛小雨忐忑不安地坐在观众席上，一直用余光看着全场的人，“如果有人离场，我会观察那人带没带包，如果没带包可能是上厕所，带包了可能就真的走了。

我真想拽着那些人的手，说，别走啊，后面还有歌舞可以看！

”牛小雨还原这一场景的时候，我们都笑出声来，牛小雨也笑了，但笑声当中能听出来，她对于《不要再见啊，鱼花塘》这块自己用心雕琢出的碧玉是多么珍惜。

牛小雨是一个非常典型的完美主义者，这一点在影片拍摄过程中彰显得淋漓尽致。

《不要再见啊，鱼花塘》拍摄时长36天，令牛小雨最焦虑的就是资金问题。

牛小雨的妈妈是电影的出品人，也就是说是妈妈出资来赞助她的梦想，每多花一分钱，她对于妈妈的愧疚感就多一分。

剧本中所有的日戏，都是在正午时分太阳光最强烈的时候，但屋漏偏逢连夜雨，在拍到十几天的时候开始天天下雨，如何能抢到最好的阳光，是全剧组急需攻克的难题。

就在紧锣密鼓拍摄的同时，剧组内陆续有一些工作人员病倒了，两位主演叶子和奶奶先后感冒发烧，光是在片中饰演爷爷的演员就换了三个，因为每一个过来演一天，第二天就得去医院打吊针。

剧组的许多人连续熬了十几个大夜忙筹备工作，而白天正午的时候还要拍摄，时间一长身体难免吃不消。

牛小雨看着非常心疼，但她知道现在还不到共情的时候，“那个时候，我必须保持稳定的状态，把片子给拍好了。

如果这条不过，就要一直拍下去，就算是奶奶，我也要一直让她反复拍，只为了达到最好的效果。

因为我知道只有这个片子弄成了，他们的辛苦才没有白费。

”

拍摄完成后，关于影片的剪辑方向，团队内部又产生了一些分歧。

牛小雨试了一版与原剧本差异比较大的剪辑模式，加入了很多之前生活中拍摄爷爷奶奶的纪录片素材，相对现在的版本来说，对观众会更加友好，也更容易进入故事。

但牛小雨却过不了自己心里这一关，正如前文所述，她希望拍摄这部电影，就是制造一个幻想的世界，把亲人留在那里，但如果引入现实的段落，那这一切都将不再成立。

于是她不顾周围人的反对，坚持选择按照自己的想法完成影片的剪辑。

关于未来，牛小雨想得很清楚，她希望自己成为一个勇敢且能一以贯之的创作者，即使做的决定很冒险，甚至不被身边人所理解，她也要遵从内心，对创作出的影像负责。

“可能因为我姓牛吧，性格比较犟。

我要做一次新的电影语言上的尝试，可能刚开始这个语言还不是很成熟，甚至不是我们常用的语言，但如果我第一次说话的时候，就放弃了自己的语言，将来该怎么办？

我想用这个语言继续说下去，我会精进它，让它被更多人所理解，这样当你说第二遍、第三遍的时候，才会有人愿意听、听得懂。

我绝不会为了一次更好的亮相或结果，就背弃我的初衷，绝不会。

”

首发于VOGUEfilm：牛小雨：“鬼马少女”的幻想世界撰文：岛主/队长